No ha pasado ni media hora desde que John Wick se hizo cargo de los desgraciados que le arrebataron la oportunidad de tener una mejor vida al matar a su perrito cuando Juanito el Torcido se encuentra ante un nuevo dilema: volver de manera oficial al negocio de los asesinatos por contrato para pagar una vieja deuda o hacerse de la vista gorda aunque ateniéndose a las consecuencias de su negativa. ¿Te gusta este podcast? ¿Crees que te ofrece algo valioso para pasar el rato? Por menos de lo que cuesta el transporte público puedes apoyar la creación de estos bonitos contenidos. Descubre como visitando patreon.com/churrosypalomitas. Co-Productor del episodio: Jaime Rosales. Agradecimiento a nuestros Patreons Álvaro Vázquez, Daniel Krauze , Fernando Teodoro , Edith Sánchezy Alejandro Alemán. Ya se saben la fórmula, pueden escuchar el podcast en el reproductor o dar click derecho y seleccionar la opción "guardar como" aquí. Además de esto, pueden suscribirse y escucharnos eniTunes, Player.fm, Spreaker, Soundcloud, Stitcher, Tune In, Acast, Poddirectory, iVoox, Hearthis.aty recuerden que si son banda, pueden darnos like enFacebook. La primera cinta de John Wick logró ser una enorme sorpresa al traernos a Keanu Reeves nuevamente como un héroe de acción. Mientras que el actor ha sido muy selectivo con los papeles que interpreta, desde su participación en The Matrix no había hecho nada verdaderamente memorable. Gracias al trabajo de Chad Stahelski como director, quien cansado de ver como los directores y productores se basaban más en la espectacularidad y las coreografías montadas en lugar de los movimientos reales que haría un héroe de acción, es que Keanu encontró un personaje que vuelve suyo y que invita a ver cine de acción. ¿Puede un rayo caer dos veces en el mismo lugar? En lugar de caer en la típica fórmula hollywoodense de tratar de repetir el éxito de la primera cinta pero con el doble de presupuesto y un villano dos veces más grande, en el Capítulo 2 de John Wick tenemos un seguimiento de la primera cinta, cuya historia ocurre menos de media hora antes de que inicie la secuela. En la película original tuvimos una serie de coreografías en las que le combate cuerpo a cuerpo y el uso de armas se combinan en un glorioso gun-fu. Mientras que esta técnica sigue presente en la segunda cinta, ahora se combina con un car-fu, knife-fu, comedy-fu y hasta whata-fu logrando una variedad más cuidada. Las peleas son más brutales también, especialmente porque Baba Yaga no confronta matones cualquieras, ya que ahora debe enfrentar incluso a miembros de su mismo gremio para saldar una deuda de antaño.
Parte del encanto de la cinta es el manejo de una mitología particular. Desde el principio recordamos sobre el Hotel Continental, el terreno sagrado en que está prohibido que corra la sangre y en donde se refugian los miembros de tan selectos grupos de asesinos. A esto le agregamos elementos casi mitológicos como la manera en que se cobran y saldan deudas de sangre, con guiños que al observador le recordarán elementos del mismo Sandman de Neil Gaiman. Además de eso nos enteramos de la existencia de altas esferas de poder y control dentro de los gremios de asesinos. Esto sería estéril como pretensión de Assasins Creed pero gracias al manejo de casi cotidianeidad que tienen los personajes es que se logra empatía con un mundo tan extraño. “¿Estás trabajando de nuevo, John?” le preguntan al personaje principal sin darnos más detalles, como si simplemente se tratara de otro día para matar. Dentro de la misma mitología tenemos elementos que parecerían arcáicos como el uso de máquinas de escribir o telefonistas, pero en una realidad en donde los teléfonos y las computadoras pueden ser hackeados para robarles información, da mucho sentido este manejo además de que le agrega un toque retromodernista al mundo de Wick y compañía. Por si fuera poco, el cierre de la cinta nos recuerda el cine de los 70’s en donde la paranoia es una constante y nos da el equivalente de un “vivieron felices para siempre” de los cuentos de hadas pero trasladado al único final posible para una historia de alguien que vive envuelto en peleas y persecuciones.
Mientras que la cinta se basa en la acción, se da tiempo para incluir, igual que la primera, una buena cantidad de referencias pero planteadas de maneras elegantes y sutiles. La primera secuencia de acción es un tributo al cine de Buster Keaton y a su vez podemos ver referencias sobre el manejo del cine de Kurosawa o el mismo Sergio Leone, mientras que Wick da guiños a la actitud de Charles Bronson al ser un héroe dedicado que no hace chistecitos para quedar bien. Simplemente es una fuerza de la naturaleza y los demás lo saben, ya que no en vano es el mensajero de la muerte al que la muerte misma tiene miedo. El trabajo de edición, desde los trailers hasta la cinta misma tiene un cuidado impresionante. Mientras escuchamos fragmentos de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi podemos ver como el ritmo y los disparos se conjuntan y no de manera brusca creando un beat de golpes, sino con cortes precisos que fueron la pesadilla de los editores pero que logran darnos algo verdaderamente memorable. John Wick logra algo similar a lo que hizo en la primera cinta, pero de manera diferente. Repite elementos característicos pero avanza la historia y amplía el universo de Wick. Le brinda un némesis honorable con quien tiene una de las mejores y más divertidas secuencias de persecución que verán en el cine moderno y alguien que al final entiende las reglas del juego. Parte de esas reglas es dejarse de pretensiones y contar una historia sencilla pero cuidada. Tan cuidada que hasta el simple cambio de cartuchos en armas de fuegos está coreografeado con cámaras sin cortes para mostrar lo más cercano a lo que un verdadero súper asesino haría en la vida real. Sin lugar a dudas, de las películas más satisfactorias de inicio de año, y no solo para la audiencia, sino para quienes están envueltos en el proyecto que podría terminar no solo con una secuela sino hasta con una serie de televisión.
Tres chicas son drogadas y secuestradas. Al despertar se encuentran en una habitación aislada en donde son contenidas por su captor. Por si fuera poco parece que el mismo no está muy bien de la cabeza, por lo que deben de confrontarse con la necesidad de buscar un escape o esperar a ser descubiertas y rescatadas. Todo parece ser manejable hasta que se dan cuenta que no es solo una persona quien las tiene encerradas, sino toda una legión conflictiva que las abdujo con siniestros fines ulteriores. Este podcast es traído a todos ustedes gracias a la cortesía los que han dejado su reseña de cinco estrellitas en iTunes ¡y sin gastar nada! Ahora que si quieres gastar, descubre como hacerlo de manera efectiva en patreon.com/churros y palomitas.
Kevin (interpretado por James McAvoy y que en una película actúa más que en todas las ocasiones que ha interpretado al Profesor X) padece de un desorden de personalidad múltiple. Mientras que una parte de él solo quiere tener una vida normal y acude religiosamente a terapia (de la mano de Betty Buckley como la doctora Karen Fletcher), otras no están tan de acuerdo, lo que lo han llevado a cometer actos cuestionables… como secuestrar a Anya Taylor-Joy, Haly Lu Richardson y Jessica Sula. Sin embargo el verdadero conflicto no es entre captor y presas, sino entre las distintas facetas que viven dentro de Kevin y como confrontan su realidad.
Split es una cinta que funciona gracias a la conjunción de sus partes. Un trabajo muy cuidado de guión en el que tenemos la comparación de cómo dos de nuestros personajes han lidiado con traumas personales sería desperdiciado si no fuera por las interpretaciones de Anya Taylor-Joy (a quien muchos recordarán por La Bruja) y por parte del mismísimo James McAvoy. La primicia de la historia nos habla de su personaje como de alguien que tiene 23 identidades en conflicto, pero eso no es nada comparado con la emergente personalidad 24 a quien solo se le conoce como La Bestia. Mientras que solo se desarrollan cerca de una decena de esas identidades, es la capacidad de McAvoy para cambiar de una a otra en menos de un segundo lo que hace que sea una figura tan temible. Si en alguna ocasión se preguntaron cómo carajos la gente es incapaz de darse cuenta que Clark Kent y Superman son la misma persona y no vieron la interpretación del gran Christopher Reeve, solo pongan atención a lo que logra el otrora profesor Xavier al tomar una página del manual de Superman, ya que logra convencer gracias a los cambios de lenguaje corporal más de lo que un par de gafas pueden hacer. En su corrida dentro del título de Batman, Grant Morrison, el escocés desquiciado, plantea el concepto de la súper cordura como la base de los cambios de identidad del villano favorito de Batman, el Joker mismo. ¿A qué se refiere con esto? El manejo de la súper cordura se refleja como la capacidad de la psique para adaptarse a distintas circunstancias o inclusive épocas. Gracias a esto es que una misma persona, el Guasón per se, puede manifestarse como un ladrón chocarrero, un asesino despiadado o incluso un aliado para su enemigo jurado. Los cambios de personalidad se deben a que el personaje se encuentra en un estado de conciencia más allá de la cordura, que lo vuelve capaz de entender de mejor manera su entorno. Este concepto en cierta medida se retoma en Split con el personaje interpretado por McAvoy. Los dos personajes principales lidian con traumas en el pasado y de maneras opuestas. El personaje de Taylor-Joy tiene una conciencia más elevada y es más cerebral pero tiene un proceso de afirmación de identidad que le ayuda a hacer pasajera su realidad. Por su parte, el personaje de McAvoy rechaza su identidad personal y se refugia en personalidades alternas. Cada una creada con un propósito que le ayuda a confrontar distintas situaciones, y las mismas pasan como bateador en turno según sea requerido. Es el tratamiento de padecimientos mentales como los desórdenes de personalidad múltiple lo que le agrega un valor a la historia, bajo el lente de que el desorden indica una alta eficiencia más que un padecimiento, primicia promovida por la misma psicóloga interpretada por Betty Bukley. Por si fuera poco, retoma el planteamiento de la química cerebral y lo enlaza con los cambios biológicos que pueden ocurrir en presencia de otras sustancias. Básicamente piensen en qué tan distinto actuamos con adrenalina o con alcohol, pero esto viniendo del cerebro mismo, dando a las distintas personalidades atributos físicos incluso distintos, siendo el mayor dilema el descubrir que ocurre cuando todo se conjuga para sacar la versión más evolucionada para lidear con los mayores problemas. Volviendo a los aspectos técnicos, el trabajo de fotografía de Mike Gioulakis (quien previamente trabajó en It Follows) ayuda a crearnos sensaciones claustrofóbicas en espacios abiertos, especialmente al principio de la cinta, y juegan con la narrativa visual y una cámara viajera que aprovechan director, editor y actor para lograr los cambios de personalidad en un abrir y cerrar de obturador. M. Night Shyamalan pasó por una racha negativa después de haber mostrado talento enorme tanto con The Sixth Sense como con Unbreakable. Es en Split en donde vuelve a enfocar su estilo de una manera increíble y le da seguimiento a sus trabajos previos (en más de un sentido), sin embargo su mayor logro en esta cinta es el hecho de que la ejecuta como un truco de magia. El reto de un mago es el convencerte de que sumar dos más dos da cinco como resultado, y una vez que estás convencido de esto, te muestra que todo el tiempo la respuesta fue cuatro. Esto lo hace Shyamalan y uno lo puede corroborar de manera muy simple al comparar el poster de su nueva cinta con el de un trabajo previo. ¿Vale la pena ver Fragmentado? Si gustan de un buen thriller, desde luego. Lo más importante es ir a ver la película sin saber nada al respecto. Eviten leer, escuchar o platicar con alguien que la haya visto, ya que la mayoría carece del tacto necesario para hablar de la película sin mencionar sus mayores sorpresas (que son varias) las cuales, curiosamente, son como el betún en el pastel, ya que le agregan un lindo decorado pero dejan el resto del sabor casi intacto.
Uno de los grandes problemas del cine mexicano es que no se ve en salas de cine comercial. ¿Realidad o leyenda urbana? Para hablar de esto es que Jaime Rosales nos acompaña para despejar dudas existenciales y hasta echarles el Tarot (por la ventana) para que dejen de culpar al gobierno, a Trump o la gata de la vecina por que nadie ve su película (si son cineastas). Esta charla es traída a ti gracias al apoyo de escuchas como tú. Descubre como puedes ahorrar un dineral evitando películas chafas al escuchar nuestras recomendaciones visitando www.patreon.com/churrosypalomitas. Recuerda que hay más conocimiento y sabiduría en nuestra sección del Internet Film School aquíy enYouTube. Co-Productor del episodio (y además nos compartió conocimiento en la transmisión): Jaime Rosales. Agradecimiento a nuestros Patreons Álvaro Vázquez, Daniel Krauze , Fernando Teodoro , Edith Sánchez y Alejandro Alemán.
La historia ya se la saben: millonario que se siente por encima de la ley se viste de negro y utiliza su fortuna para combatir al crimen en su cruzada solitaria. ¿Qué tiene de diferente la nueva película de Batman en comparación con sus otras apariciones? Pues en esta ocasión veremos la historia contada con juguetitos, para divertimento de niños y ñoños. Este podcast es traído a ti gracias al apoyo de escuchas como tú. Descubre como puedes ahorrar un dineral evitando películas chafas al escuchar nuestras recomendaciones visitando www.patreon.com/churrosypalomitas . Recuerda, triple doble u, punto patreon, punto com, diagonal churros y palomitas. Co-Productor del episodio: Jaime Rosales. Agradecimiento a nuestros Patreons Álvaro Vázquez, Daniel Krauze , Fernando Teodoro , Edith Sánchez y Alejandro Alemán. Ya se saben la fórmula, pueden escuchar el podcast en el reproductor o dar click derecho y seleccionar la opción "guardar como" aquí. Además de esto, pueden suscribirse y escucharnos eniTunes, Player.fm, Spreaker, Soundcloud, Stitcher, Tune In, Acast, Poddirectory, iVoox, Hearthis.aty recuerden que si son banda, pueden darnos like enFacebook. Will Arnett encarna al Caballero Oscuro quien deberá enfrentar a su mayor oponente: la falta de responsabilidad… o al menos eso es lo que le dice su fiel mayordomo Alfred (el genial Ralph Fiennes que debe hacer más comedia, por favor) ya que por no poner atención resulta que terminó adoptando a un jovencito imberbe interpretado por Michael Cera. Por si fuera poco, debe aprender a trabajar en equipo gracias a la llegada de la nueva comisionada de policía Barbara Gordon (Rosario Dawson quien presta voz y hasta un lunar a la otrora batichica). Todo esto en casi dos horas de harto colorido y mucho juguetito. Mientras que muchos siguen quejándose amargamente de cómo Warner parece no saber que hacer con sus licencias de súper héroes, el estudio no tiene todos sus huevos en la misma canasta aunque vengan del mismo rancho, lo cual demuestra con The LEGO Batman Movie. Tercera en la entrega del Warner Animation Group (la primera cinta del sub estudio fue The Lego Movie y la segunda una cinta con cigüeñas) no llega a alcanzar ni en taquilla ni en aceptación a la original, pero solo por una mínima diferencia. En esa misma línea, los que la defienden como la mejor película de Batman (o al menos la más divertida) olvidan que la combinación de la franquicia de LEGO junto con Batman debería de tener resultados más favorecedores. Because he’s Batman.
La cinta es dirigida por Chris McKay, que si bien no es precisamente un novato, viene directamente de la dirección televisiva o de películas para televisión, principalmente de la mano de Robot Chicken, lo que lo volvía una opción viable para este proyecto que a final de cuentas nos narra una historia con monitos. Para evitar el posible problema de ritmo debido a que ahora cuenta una historia más larga es que se apoya en la trama de Seth Grahame-Smith (a quien podrán recordar por Orgullo, Prejuicio y Zombies o Abraham, Lincoln: Cazador de Vampiros) la cual fue trabajada por el equipo de comedias televisivas de Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern y John Whittington. Curiosamente, a pesar de tanto trabajo de escritura y reescritura (y no los vi chillando por cada cambio del guión o rumor que se soltaba al respecto) se nota el manejo de humor basado en sketches, aunque estructurado de una manera más orgánica que cualquier cosa que los implicados han hecho antes. Sin embargo, elementos del mismo guionista son presentes aquí, haciendo una mezcla que si bien no incluye a la alta clase británica con los zombis, pasa de una deconstrucción a ser pretexto para chistes superficiales. Mientras que el humor y las múltiples referencias son las claves del hecho de que la cinta cuente con tan buena recepción, su mayor atributo es el hecho de que es consciente del tipo de producto que representa. Sabe que es una obra de entretenimiento que no necesita atarse a las reglas de la continuidad establecidas por retentivos anales y puede darse el lujo de honrar y a su vez mofarse de la historia de uno de los personajes más emblemáticos de la cultura pop del siglo pasado. Además de esto cuenta con un privilegio que ningún director de acción real de las franquicias de Warner Brothers tiene: la capacidad de usar cualquier personaje que desee, sin importar si tiene sentido o no para su historia. Este gran privilegio se aprovecha pero también es uno de sus grandes defectos. Mientras que Batman cuenta con una de las mayores y mejores galerías de villanos que un personaje ficticio puede tener, importa personajes reconocidos de otros medios, siguiendo la misma fórmula establecida en La Película LEGO original. Sus inclusiones solo sirven para los gags ocasionales, traídos de la escuela de Robot Chicken y después son olvidados, como niño que usa sus juguetes solo cuando le llaman la atención. Siguiendo una línea similar está el manejo referencial. Si eres conocedor de la historia del cruzado encapotado encontrarás referencias cada 5 minutos que al menos provocarán una risita. Mientras que el inicio y el final de la cinta muestran un excelente manejo, la parte media decae principalmente debido al uso constante de las referencias, volviéndose repetitivo y haciendo que la historia se base más en lo que el espectador puede relacionar que en lo que el autor está contando por sí mismo. ¿Cuál es la trascendencia que tiene una aventura si no hay algo en riesgo para nuestros personajes? Gracias al hecho de que estos son interpretados por juguetes, podemos ver destrucciones masivas (de esas tan criticadas en el cine de Bay o Snyder) y hasta muertes explícitas, las cuales se aligeran con una vocecilla que dice “estoy bien”, tratando de recordarnos que a final de cuentas, todo son juguetes dentro de una ficción. Desafortunadamente esto va en detrimento del impacto de las amenazas, especialmente cuando vemos como nuestro personaje principal es capaz de desarmar y rearmar cualquier cosa por lo que la mayor amenaza sería el recoger los juguetes al terminar de jugar.
Dentro del manejo de personajes encontramos también elementos desequilibrados. Will Arnett y Ralph Fiennes son quienes cumplen perfectamente con sus papeles, seguidos por un Michael Cera y Rosario Dawson que tardan en encontrar una voz propia y se sienten incómodos en el proceso, teniendo al final a Zach Galifianakis y el resto de los villanos que no tienen mayor mérito más allá del chistorete fácil, sin importar si son Doug Benson burlándose del Bane de Nolan o Zoë Kravitz interpretando a a una Gatúbela cuyo mayor atributo es decir “Miau, Miau”. Mención aparte merecen las apariciones de Siri como la baticomputadora o a quien sea que haya hecho los “piu”, “piu”, “piu” de los disparos que probablemente sea lo más memorable. Si van a ver la cinta en español, tengan la confianza de que encontrarán un gran trabajo, especialmente porque se cuenta con actores y no yutubers o “estrellas” en el doblaje. Jesús Vallejo hace la traducción y encontrarán voces conocidas como la de Irwin Daayán, José Antonio Macías o Mario Arvizu entre otros. Sin embargo, parte del atractivo de la cinta es escuchar las voces originales. A final de cuentas, la película de LEGO Batman es una propuesta divertida que sin embargo se encuentra por debajo de la calidad de la iniciadora de la franquicia de juguetes. Desde luego es muy disfrutable, pero serán tremendamente hipócritas si terminan alabándola y por otro lado dicen odiar el humor referencial de Seth McFarlane o el mismo Robot Chicken, ya que son obras que vienen cortadas de la misma tijera, logrando una cinta más disfrutable para ñoños que para niños, debido desde luego a las referencias que ellos considerarán como muestra de una historia inteligente ya que ellos las pueden ubicar.
¿Qué tan reales pueden ser los personajes de una historia que estás contando si al final de cuentas son parte de una ficción? Esta y otras preguntas son presentadas en la ópera prima del director brasileño Pedro Morelli. Este podcast es traído a ustedes gracias al apoyo de escuchas como tú. Visita nuestra página en Patreon para descubrir como obtener contenido extra y poder apoyar este proyecto. Co-Productor del episodio: Jaime Rosales.
Emma (interpretada por Alison Pill) trabaja en un negocio dedicado a la manufactura de muñecas para usos sexosos, más específicamente, dándole la maquillada y toques finales a las muñecotas. Tiene una relación satisfactoria con su novio Bob (Tyler Labine) y en sus ratos libres, además de dejarse querer por el gordito bonachón, utiliza sus habilidades para el dibujo haciendo sketches de ella como su figura idealizada (con tremendos magumbos, que no tiene en su cuerpecito) así como una historieta en donde ocurra la acción que no tiene en la vida real. Edward (interpretado por Gael García) es un director de cine que está preocupado por la producción de su nueva cinta. Cansado de haber sido estereotipado como el clásico director de cine lleno de adrenalina y testosterona prefiere contar una historia más personal: la de una mujer que se dedica al modelaje pero cansada de la buena vida que tiende, decide alejarse a realizar actividades intelectualmente más retadoras y creativas. Michelle (interpretada por Mariana Ximenes) es una modelo con una vida cómoda y un novio que la trata bien pero puede ser un poco aprehensivo en ocasiones. Debido a esto es que Michelle busca alejarse un poco y viaja a un rincón de Brasil para dedicarse a escribir un libro mientras se encuentra a si misma. Dentro de este contará la historia de una chica muy creativa que no siente mucha confianza en su físico y para compensarlo decide ponerse implantes de silicona, mientras se ve en una serie de enredos en donde hasta tráfico de drogas hay. Ah, y en caso de que no lo hayan notado, las tres historias están interconectadas.
Zoom es un proyecto interesante que cae en una delgada línea que está entre el cine comercial y el supuestamente "de arte" debido a su narrativa. Mientras que tiene un cast con trayectoria variada que les permite ser reconocidos (todos han tenido presencia en televisión o medios digitales en uno o varios países, además de la ocacional aparición cinematográfica) se da el lujo del manejo de una metanarrativa ligeramente rebuscada que usualmente sería mas acorde a proyectos más intelectuales. Es quizás el juego de narrativas el que entorpece el manejo de la historia. Todo se basa en la causa y efecto. Las decisiones que Emma toma sobre Edward (el director de cine que protagoniza su propuesta de cómic) terminan afectándola a ella, sin embargo con esto se deja de lado el hecho de que es una narrativa en tres niveles, de los cuales dos son interpretados en acción real y el otro es animado en base a rotoscopeo. Dos de las historias, a pesar de contar con estéticas distintivas, se mezclan de una manera no tan orgánica, siendo mejor integrada la animación en la relación creador-creación. Mientras que hay estéticas distintas, la mejor definida sigue siendo la que se enfoca en la historia de Emma y Bob, teniendo guiños al trabajo de los Coen con esa delgada línea entre la realidad y el absurdo. Es la que tiene mayor peso dramático y acción, situándose perfectamente en el punto medio entre la ficción total y la aburrida realidad. Así como cuando un trabajo en el que se compilan varios cortometrajes es muy desigual, ocurre de manera similar con la cinta. El problema no es la diferencia en los arcos y el manejo de los mismos en las historias, sino que no se sienten plenamente integradas. El karma que se da entre la creación y el creador no se muestra de una manera efectiva y se siente más como producto secundario de una buena idea. La misma se ha mostrado de mejor manera en cintas como Adaptation (El Ladrón de Orquídeas) o Stranger than Fiction y esta cinta muestra como el agregar tantos supuestos niveles de narrativa dentro de la narrativa no es conveniente.
A pesar de esos detalles Zoom es una cinta interesante que maneja buen ritmo en la mayor parte de la historia. Eso aderezado con uno que otro gag la posicionan arriba del palomazo, volviéndola algo digno de verse, aunque esto sea en Netflix o Amazon Prime Video.
