En esta ocasión, y para variarle un poco, les comparto una pequeña colaboración que tuve con los camaradas Alejandro Alemán y Josué Corro, en Filmsteria!. Ellos hicieron un listado sobre los mejores momentos en el cine, durante el 2014, los cuales verán ilustrados en el bonito video que está a continuación con una edición que yo hice.
Pueden ver el listado por acá.
En caso de que quieran descargarlo, pueden dar click derecho y seleccionar "guardar como" en este enlace. Esa es la version en 720p. Hay una en 1080p y SD por si ocupan. Pueden verlo directamente en Vimeo y recuerden que si les gustó, pueden depositar panchólares a mi cuenta o suscribirse al fanpage en Facebook o en iTunes.
25 de diciembre de 2014
18 de diciembre de 2014
Muvi Draft - Invierno 2014 - Episodio 07
El buen Dany Saadia regresa para que repasemos el avance en la taquilla. ¿Quién voy ganando? ¿Quién va perdiendo? ¿Qué sorpresas tenemos esta semana? ¡No se pierdan el reporte del #MuviDraft de Invierno 2014
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (482 mb) como en ogv (256 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
Recuerden que si les gusta el video, pueden darnos like en el mismo en YouTube o en nuestro Fan Page en Facebook.
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14 de diciembre de 2014
El Hobbit - La batalla de los cinco ejercitos
Peter Jackson regresa con la tercera parte de la innecesaria trilogía alargada y con anexos del antecesor de la saga del Señor de los Anillos. ¿Qué tanto vale la pena el cierre de estas casi nueve horas de efectos especiales que sirvieron para que Jackson terminara con su capricho de terminar con las adaptaciones de la serie que le dio la fama en la cultura popular?
Para descargar el podcast sobre El Hobbit, la batalla de los cinco ejercitos (The Hobbit, the battle of the five armies), da click derecho con el ratón en este enlace y seleccionar la opción "guardar como" aquí. Para escucharlo, ahí tienes el reproductor de la columna del lado derecho así como el de la parte de abajo. Para suscribirte al podcast via iTunes, da click en este enlace. Para escucharlo o descargarlo directamente en su celular recomiendo que usen Spreaker y me pueden encontrar aquí. En caso de que quieran tips o recomendaciones para viajar a la tierra media, o dejen su comentario después del click, o en Facebook.
En la anterior entrega del Hobbit, nos quedamos esperando el ataque del dragón gigante con voz de Sherlock (cortesía de Benedict Cumberbatch) dentro de un poblado vecino. Mientras tanto, un grupo de enanos tragaldabas buscan y buscan dentro de los tesoros del dragón que fue a ajusticiar inocentes. La cinta empieza de lleno con esta acción, metiéndonos en medio de la evacuación del poblado en donde los habitantes sacan el cobre.
La filmación del Hobbit duró 266 días. Mientras que originalmente iba a estar dividida en dos cintas, al final se decidió hacerla trilogía de una vez, teniendo Un Viaje Inesperado de 169 minutos de duración, La Desolación de Smaug de 161 minutos, y la Batalla de las Cinco Armadas con 144 minutos de duración. Esto nos da casi ocho horas de duración. El audiolibro en Audible dura once horas. Estos números indican en cierta medida que Jackson no quería despedirse del todo de la obra de Tolkien, especialmente considerando que todas las películas de la saga salen con ediciones extendidas, por lo cual esta trilogía probablemente alcance la duración del audiolibro.
Mientras que desde la segunda entrega la historia finalmente agarra un ritmo interesante, es en esta tercera entrega en donde tenemos las tan esperadas batallas, como su mismo nombre lo indica. Las actuaciones y personajes más memorables siguen corriendo a cargo de Martin Freeman con Bilbo Baggins o el mismo Richard Armitage, el rey repuesto Thorin Oakenshield, siendo este el que tiene el mayor desarrollo con su personaje. Un desarrollo que desafortunadamente es más que previsible.
Uno de los grandes problemas con las precuelas es que uno ya conoce el destino final de los personajes, por lo que cualquier amenaza que caiga sobre ellos, carece de peso. Si lo has visto en una obra posterior, en este caso, la trilogía del Señor de los Anillos, sabes que sobrevive. Si no, pues ni te preocupes, por algo no es mencionado. Esto roba un poco de emoción a la historia, aunque al final lo más importante es el desarrollo de la misma. En su favor, dos terceras partes de la cinta corren de manera efectiva, gracias principalmente a que todo son catorrazos o preparación para batallas. Curiosamente es agradable el ver como antes de las peleas, personajes principales como el Bardo (interpretado por Luke Evans) busca el diálogo y la solución del conflicto de manera civilizada. En el lado negativo, esta cinta cuenta con más muertos y destrucción innecesaria que Man of Steel y no los veo chillando como nenas por la cantidad de orcos, enanos, chivos, borregos y uno que otro viejo buey que fallecieron a cuadro o fuera de él. Esto en parte es un problema por parte del establecimiento de la trama. ¿En realidad le importa al espectador lo que está en juego? Las cuatro armadas principales se pelean un sitio estratégico y no hay personajes que nos importen, además de alguno que otro enano u otro personaje que de antemano sabemos que veremos en lo que ahora vendrían siendo las secuelas. La muerte carece de significado, así como el resultado de las batallas que llenan el ojo entre las armadas de los orcos, los humanos, los elfos, los enanos y otra más que, como uno puede esperar, aparecerá en el momento en que todo parezca estar perdido simplemente para resolver un conflicto que no despierta emoción.
La trilogía del Hobbit es un capricho de Jackson quien cuenta con el suficiente presupuesto para hacerlo. La historia original es un cuento que al final es adaptado en más tiempo del que es necesario. Uno al ver el inicio de La Comunidad del Anillo tiene más desarrollo de historia en menos de diez minutos del que hay en hora y media de Un Viaje Inesperado. Jackson crea un producto enfocado más en los fans que en la gente en general, tomando detalles que no necesariamente ocurren en el mismo Hobbit para agregarlos y mientras que algunos son agradecibles como la aparición del Hechicero Hippioso, no es necesario incluir cada detalle dentro de la historia. Para el punto de las batallas en la tercera cinta, uno se encuentra más con la percepción de que está viendo un videojuego más que una película, especialmente si la ve en High Frame Rate.
Hablando de este elemento, mi reconocimiento para Jackson por impulsar esta tecnología que si bien ha estado presente desde hace años, él es el único que la ha aprovechado dentro de películas de gran alcance. En sus respectivas críticas ya mencioné acerca de las ventajas de contar con más cuadros por segundo, sin embargo encuentro un cierto retroceso o estancamiento para esta tercera entrega. En la segunda cinta se maquilló digitalmente buena parte de las secuencias para que no fueran tan molestas al ojo malacostumbrado a ver solo 24 cuadros y si bien dicho proceso se trata casi igual en esta tercera entrega, hay momentos en que el brinco de las secuencias fluidas en movimiento a otras más estáticas da un brinco molesto al ojo. En otro tiempo diríamos que hay cuadros perdidos en la cinta de la película, pero acá parece más un momento corrupto en el archivo digital.
A nivel visual, si bien hay peleas donde se agradece el High Frame Rate, especialmente la primera en donde se lucha por la vida del estimado Gandalf, y donde se ve una fluidez de videojuego bien diseñado, para momentos posteriores, donde se cuenta con entornos más claros, este elemento hace que los fondos digitales y las composiciones resalten los elementos digitales, haciendo que se vean deficientes y falsos en buena medida. Como he mencionado en mi crítica de Carmín Tropical, la mayor frecuencia de cuadros ayuda más a historias que quieran transmitir mayor realismo, no a entornos fantásticos.
A final de cuentas el Hobbit es una historia hecha por y para fans de la saga. Su innecesaria división en tantas películas cumple más necesidades financieras, especialmente cuando vemos que la primera hizo más de mil millones de dólares y la segunda casi logra dichas cifras. Para esta tercera se esperan al menos más de setecientos millones de dólares, aunque puedo decir que en la función a la que asistí, en 3D con High Frame Rate, no éramos más de veinte personas, por lo que quizás batalle para lograr tan buenos resultados. A nivel manufactura, la cinta es entretenida y no aburre en ningún momento, sin embargo no aporta detalles cinematográficamente memorables por lo que se quedará más como otra cinta de alto presupuesto de temporada del año.
Para descargar el podcast sobre El Hobbit, la batalla de los cinco ejercitos (The Hobbit, the battle of the five armies), da click derecho con el ratón en este enlace y seleccionar la opción "guardar como" aquí. Para escucharlo, ahí tienes el reproductor de la columna del lado derecho así como el de la parte de abajo. Para suscribirte al podcast via iTunes, da click en este enlace. Para escucharlo o descargarlo directamente en su celular recomiendo que usen Spreaker y me pueden encontrar aquí. En caso de que quieran tips o recomendaciones para viajar a la tierra media, o dejen su comentario después del click, o en Facebook.
En la anterior entrega del Hobbit, nos quedamos esperando el ataque del dragón gigante con voz de Sherlock (cortesía de Benedict Cumberbatch) dentro de un poblado vecino. Mientras tanto, un grupo de enanos tragaldabas buscan y buscan dentro de los tesoros del dragón que fue a ajusticiar inocentes. La cinta empieza de lleno con esta acción, metiéndonos en medio de la evacuación del poblado en donde los habitantes sacan el cobre.
La filmación del Hobbit duró 266 días. Mientras que originalmente iba a estar dividida en dos cintas, al final se decidió hacerla trilogía de una vez, teniendo Un Viaje Inesperado de 169 minutos de duración, La Desolación de Smaug de 161 minutos, y la Batalla de las Cinco Armadas con 144 minutos de duración. Esto nos da casi ocho horas de duración. El audiolibro en Audible dura once horas. Estos números indican en cierta medida que Jackson no quería despedirse del todo de la obra de Tolkien, especialmente considerando que todas las películas de la saga salen con ediciones extendidas, por lo cual esta trilogía probablemente alcance la duración del audiolibro.
Mientras que desde la segunda entrega la historia finalmente agarra un ritmo interesante, es en esta tercera entrega en donde tenemos las tan esperadas batallas, como su mismo nombre lo indica. Las actuaciones y personajes más memorables siguen corriendo a cargo de Martin Freeman con Bilbo Baggins o el mismo Richard Armitage, el rey repuesto Thorin Oakenshield, siendo este el que tiene el mayor desarrollo con su personaje. Un desarrollo que desafortunadamente es más que previsible.
Uno de los grandes problemas con las precuelas es que uno ya conoce el destino final de los personajes, por lo que cualquier amenaza que caiga sobre ellos, carece de peso. Si lo has visto en una obra posterior, en este caso, la trilogía del Señor de los Anillos, sabes que sobrevive. Si no, pues ni te preocupes, por algo no es mencionado. Esto roba un poco de emoción a la historia, aunque al final lo más importante es el desarrollo de la misma. En su favor, dos terceras partes de la cinta corren de manera efectiva, gracias principalmente a que todo son catorrazos o preparación para batallas. Curiosamente es agradable el ver como antes de las peleas, personajes principales como el Bardo (interpretado por Luke Evans) busca el diálogo y la solución del conflicto de manera civilizada. En el lado negativo, esta cinta cuenta con más muertos y destrucción innecesaria que Man of Steel y no los veo chillando como nenas por la cantidad de orcos, enanos, chivos, borregos y uno que otro viejo buey que fallecieron a cuadro o fuera de él. Esto en parte es un problema por parte del establecimiento de la trama. ¿En realidad le importa al espectador lo que está en juego? Las cuatro armadas principales se pelean un sitio estratégico y no hay personajes que nos importen, además de alguno que otro enano u otro personaje que de antemano sabemos que veremos en lo que ahora vendrían siendo las secuelas. La muerte carece de significado, así como el resultado de las batallas que llenan el ojo entre las armadas de los orcos, los humanos, los elfos, los enanos y otra más que, como uno puede esperar, aparecerá en el momento en que todo parezca estar perdido simplemente para resolver un conflicto que no despierta emoción.
La trilogía del Hobbit es un capricho de Jackson quien cuenta con el suficiente presupuesto para hacerlo. La historia original es un cuento que al final es adaptado en más tiempo del que es necesario. Uno al ver el inicio de La Comunidad del Anillo tiene más desarrollo de historia en menos de diez minutos del que hay en hora y media de Un Viaje Inesperado. Jackson crea un producto enfocado más en los fans que en la gente en general, tomando detalles que no necesariamente ocurren en el mismo Hobbit para agregarlos y mientras que algunos son agradecibles como la aparición del Hechicero Hippioso, no es necesario incluir cada detalle dentro de la historia. Para el punto de las batallas en la tercera cinta, uno se encuentra más con la percepción de que está viendo un videojuego más que una película, especialmente si la ve en High Frame Rate.
Hablando de este elemento, mi reconocimiento para Jackson por impulsar esta tecnología que si bien ha estado presente desde hace años, él es el único que la ha aprovechado dentro de películas de gran alcance. En sus respectivas críticas ya mencioné acerca de las ventajas de contar con más cuadros por segundo, sin embargo encuentro un cierto retroceso o estancamiento para esta tercera entrega. En la segunda cinta se maquilló digitalmente buena parte de las secuencias para que no fueran tan molestas al ojo malacostumbrado a ver solo 24 cuadros y si bien dicho proceso se trata casi igual en esta tercera entrega, hay momentos en que el brinco de las secuencias fluidas en movimiento a otras más estáticas da un brinco molesto al ojo. En otro tiempo diríamos que hay cuadros perdidos en la cinta de la película, pero acá parece más un momento corrupto en el archivo digital.
A nivel visual, si bien hay peleas donde se agradece el High Frame Rate, especialmente la primera en donde se lucha por la vida del estimado Gandalf, y donde se ve una fluidez de videojuego bien diseñado, para momentos posteriores, donde se cuenta con entornos más claros, este elemento hace que los fondos digitales y las composiciones resalten los elementos digitales, haciendo que se vean deficientes y falsos en buena medida. Como he mencionado en mi crítica de Carmín Tropical, la mayor frecuencia de cuadros ayuda más a historias que quieran transmitir mayor realismo, no a entornos fantásticos.
A final de cuentas el Hobbit es una historia hecha por y para fans de la saga. Su innecesaria división en tantas películas cumple más necesidades financieras, especialmente cuando vemos que la primera hizo más de mil millones de dólares y la segunda casi logra dichas cifras. Para esta tercera se esperan al menos más de setecientos millones de dólares, aunque puedo decir que en la función a la que asistí, en 3D con High Frame Rate, no éramos más de veinte personas, por lo que quizás batalle para lograr tan buenos resultados. A nivel manufactura, la cinta es entretenida y no aburre en ningún momento, sin embargo no aporta detalles cinematográficamente memorables por lo que se quedará más como otra cinta de alto presupuesto de temporada del año.
10 de diciembre de 2014
Muvi Draft - Invierno 2014 - Episodio 06
Y tenemos la actualización del #MuviDraft de Invierno. En esta ocasión, si los astros nos favorecen, Alejandro Alemán nos acompañará para vanagloriarse sobre como va ganando la taquilla internacional. Si no, me tendrán a mi haciendo trucos de magia y cantando villancicos.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (313 mb) como en ogv (165 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
Recuerden que si les gusta el video, pueden darnos like en el mismo en YouTube o en nuestro Fan Page en Facebook.
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7 de diciembre de 2014
Birdman
Para descargar
el podcast sobre Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia), da click derecho con el ratón en este
enlace y seleccionar la opción "guardar como" aquí.
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derecho así como el de la parte de abajo. Para suscribirte al podcast
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En caso de que quieran tips o recomendaciones de teatro, mejor pregúntenle a mi querida Mariana, o dejen su comentario después del click, o en Facebook.
Alejandro González Iñárritu regresa triunfalmente al cine con un proyecto que, cuando fue anunciado, causo extrañeza entre quienes conocían al personaje. ¿Cómo es posible que el galardonado director mexicano decidiera hacer una comedia basada en el Hombre Pájaro favorito de todos? Afortunadamente el resultado ha sido favorecedor.
Michael Keaton interpreta a Riggan Thomson, un actor cuyo rol más famoso fue en la adaptación a la pantalla grande de quien en su momento fue el popular Súper Héroe Birdman. Años después y con una carrera que no logró levantar, apuesta todo para legitimizarse al adaptar, producir y actuar en una obra en Broadway llamada "De lo que hablamos cuando hablamos del amor". A días del estreno, las dificultades propias de la obra y los problemas personales se mezclan en esta historia de manera fascinante.
Mientras que Keaton ha dicho que el personaje de Riggan no se parece en nada a él, es inevitable que se vean similitudes. Después de interpretar a Batman, Keaton continuo en activo pero la gente lo seguía recordando principalmente como quien interpretaba al encapuchado. La historia y la ficción se mezclan frente a la mirada del espectador, enlazando lo que se sabe de la realidad con lo que se espera de la historia. Sin embargo, la interpretación de Keaton es por demás brillante. Riggan es un personaje frustrado, que busca finalmente levantarse y ser reconocido por quien es, no por una fachada o máscara del pasado. A esto agreguémosle el genial juego de realidades, ya que desde la primera escena vemos a su personaje manifestando lo que podrían ser una especie de poderes especiales. ¿Eso solo ocurre dentro de su cabeza? Compartiendo este elemento con el Thor de la versión Ultimate, en donde se jugaba con el hecho de que Thorleif Golmein tenía poderes gracias a tecnología, pero que su débil salud mental lo había hecho creerse un dios nórdico, o quizás es quien dice ser, por increíble que parezca, es que tenemos como constante el juego de dualidades. Una voz interior le recuerda a Riggan que está destinado a ser alguien por encima de los demás. Lo vemos hacer cosas extraordinarias cuando está solo pero, ¿será algo que ocurre solo en su cabeza?
Uno de los detalles más mencionados sobre la cinta es su cuidado técnico al contar su historia principal en un plano secuencia, alternando solo un par de secuencias con cortes rápidos tanto al principio como al final. Es un recurso narrativo innecesario pero que sirve como vehículo de lucimiento para Lubezki, quien sigue desafiando los estándares en lo que es posible hacerse con la cinematografía. El filmar secuencias en Broadway es algo complicado. Ahora imaginen tener el intercambio entre lugares cerrados, íntimos, alternados con secuencias multitudinarias en exteriores, y regresando a entornos controlados como el interior de un teatro, todo esto con viajes imposibles de cámara que le transmiten al espectador una sensación de omnisciencia.
Alejado definitivamente del manejo de historias que tuvo en su momento con sus colaboraciones con Arriaga, Iñárritu regresa triunfal como director al cine comercial. O casi comercial. El guión fue escrito tanto por él como por Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo, y entre todos se logra una historia que nos brinda tintes de humor negro verdaderamente disfrutables que ayudan a que el posible existencialismo de los personajes se aleje de la solemnidad.
Mientras que algunos se pueden sentir decepcionados debido a que este Birdman no tiene nada que ver con el personaje parte del Trío Galaxia y menos con el Abogado de Adult Swim, la realidad es que el manejo dado en la cinta es excepcional. Birdman funciona como enlace a historias espectaculares, y se le hace referencia a su supuesto revival noventero, a través de la película por la que Riggan es recordado, con el traje típico de héroe encapuchado de la época. En la cinta podremos ver destrucción masiva, aves gigantes, peleas emocionantes (especialmente una en donde tenemos a Batman vs Hulk, o mejor dicho a Edward Norton vs Michael Keaton) pero todas en medio de un contexto alejado al manejo convencional de las cintas de personajes en mallitas. Por cierto, se hace referencia a esa actual sobre explotación de franquicias y al hecho de que al parecer, todo mundo está interpretando a alguien con capa, de una manera sútil y mordaz, como lo es la cinta en sí.
Aunque poco se habla de los personajes de apoyo, tanto Zach Galifianakis como Emma Stone o el ya mencionado Edward Norton sirven como apoyo firme para el personaje de Keaton y en cierta medida, sus personajes hacen una especie de comentario o crítica sobre los mismos actores, con detalles como el Norton fúrico. Todo esto acerca la realidad de la cinta con la del mundo exterior de manera brillante.
A final de cuentas Birdman marca el regreso a Hollywood por parte de Alejandro González Iñárritu, quien si bien nunca estuvo entre los directores más buscados por la industria cinematográfica estadounidense, siempre ha estado en la mira. Como menciona Alejandro Alemán en su crítica de la cinta, con La Indesperada Virtud de la Ignorancia lo tenemos en el punto más cercano a poder conseguir el Óscar, tanto él como el propio Keaton. Lubezki continua con su trayectoria impecable, aunque en buena medida, es su trabajo de fotografía el que se llega a comer al director o al actor, distrayéndonos de sus dos representaciones más importantes en años. ¿Vale la pena verla? No solo verla, sino comprar el BluRay cuando salga y revisar una y otra vez esta historia de ritmo vertiginoso para descubrir todos sus detalles, como las apariciones de carritos de camotes o de tamales en algunas secuencias de Broadway.
Alejandro González Iñárritu regresa triunfalmente al cine con un proyecto que, cuando fue anunciado, causo extrañeza entre quienes conocían al personaje. ¿Cómo es posible que el galardonado director mexicano decidiera hacer una comedia basada en el Hombre Pájaro favorito de todos? Afortunadamente el resultado ha sido favorecedor.
Michael Keaton interpreta a Riggan Thomson, un actor cuyo rol más famoso fue en la adaptación a la pantalla grande de quien en su momento fue el popular Súper Héroe Birdman. Años después y con una carrera que no logró levantar, apuesta todo para legitimizarse al adaptar, producir y actuar en una obra en Broadway llamada "De lo que hablamos cuando hablamos del amor". A días del estreno, las dificultades propias de la obra y los problemas personales se mezclan en esta historia de manera fascinante.
Mientras que Keaton ha dicho que el personaje de Riggan no se parece en nada a él, es inevitable que se vean similitudes. Después de interpretar a Batman, Keaton continuo en activo pero la gente lo seguía recordando principalmente como quien interpretaba al encapuchado. La historia y la ficción se mezclan frente a la mirada del espectador, enlazando lo que se sabe de la realidad con lo que se espera de la historia. Sin embargo, la interpretación de Keaton es por demás brillante. Riggan es un personaje frustrado, que busca finalmente levantarse y ser reconocido por quien es, no por una fachada o máscara del pasado. A esto agreguémosle el genial juego de realidades, ya que desde la primera escena vemos a su personaje manifestando lo que podrían ser una especie de poderes especiales. ¿Eso solo ocurre dentro de su cabeza? Compartiendo este elemento con el Thor de la versión Ultimate, en donde se jugaba con el hecho de que Thorleif Golmein tenía poderes gracias a tecnología, pero que su débil salud mental lo había hecho creerse un dios nórdico, o quizás es quien dice ser, por increíble que parezca, es que tenemos como constante el juego de dualidades. Una voz interior le recuerda a Riggan que está destinado a ser alguien por encima de los demás. Lo vemos hacer cosas extraordinarias cuando está solo pero, ¿será algo que ocurre solo en su cabeza?
Uno de los detalles más mencionados sobre la cinta es su cuidado técnico al contar su historia principal en un plano secuencia, alternando solo un par de secuencias con cortes rápidos tanto al principio como al final. Es un recurso narrativo innecesario pero que sirve como vehículo de lucimiento para Lubezki, quien sigue desafiando los estándares en lo que es posible hacerse con la cinematografía. El filmar secuencias en Broadway es algo complicado. Ahora imaginen tener el intercambio entre lugares cerrados, íntimos, alternados con secuencias multitudinarias en exteriores, y regresando a entornos controlados como el interior de un teatro, todo esto con viajes imposibles de cámara que le transmiten al espectador una sensación de omnisciencia.
Alejado definitivamente del manejo de historias que tuvo en su momento con sus colaboraciones con Arriaga, Iñárritu regresa triunfal como director al cine comercial. O casi comercial. El guión fue escrito tanto por él como por Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo, y entre todos se logra una historia que nos brinda tintes de humor negro verdaderamente disfrutables que ayudan a que el posible existencialismo de los personajes se aleje de la solemnidad.
Mientras que algunos se pueden sentir decepcionados debido a que este Birdman no tiene nada que ver con el personaje parte del Trío Galaxia y menos con el Abogado de Adult Swim, la realidad es que el manejo dado en la cinta es excepcional. Birdman funciona como enlace a historias espectaculares, y se le hace referencia a su supuesto revival noventero, a través de la película por la que Riggan es recordado, con el traje típico de héroe encapuchado de la época. En la cinta podremos ver destrucción masiva, aves gigantes, peleas emocionantes (especialmente una en donde tenemos a Batman vs Hulk, o mejor dicho a Edward Norton vs Michael Keaton) pero todas en medio de un contexto alejado al manejo convencional de las cintas de personajes en mallitas. Por cierto, se hace referencia a esa actual sobre explotación de franquicias y al hecho de que al parecer, todo mundo está interpretando a alguien con capa, de una manera sútil y mordaz, como lo es la cinta en sí.
Aunque poco se habla de los personajes de apoyo, tanto Zach Galifianakis como Emma Stone o el ya mencionado Edward Norton sirven como apoyo firme para el personaje de Keaton y en cierta medida, sus personajes hacen una especie de comentario o crítica sobre los mismos actores, con detalles como el Norton fúrico. Todo esto acerca la realidad de la cinta con la del mundo exterior de manera brillante.
A final de cuentas Birdman marca el regreso a Hollywood por parte de Alejandro González Iñárritu, quien si bien nunca estuvo entre los directores más buscados por la industria cinematográfica estadounidense, siempre ha estado en la mira. Como menciona Alejandro Alemán en su crítica de la cinta, con La Indesperada Virtud de la Ignorancia lo tenemos en el punto más cercano a poder conseguir el Óscar, tanto él como el propio Keaton. Lubezki continua con su trayectoria impecable, aunque en buena medida, es su trabajo de fotografía el que se llega a comer al director o al actor, distrayéndonos de sus dos representaciones más importantes en años. ¿Vale la pena verla? No solo verla, sino comprar el BluRay cuando salga y revisar una y otra vez esta historia de ritmo vertiginoso para descubrir todos sus detalles, como las apariciones de carritos de camotes o de tamales en algunas secuencias de Broadway.
2 de diciembre de 2014
Muvi Draft - Invierno 2014 - Episodio 05
El reporte de la semana, en compañía de la chica más guapa del draft, Adriana Fernandez ¡No se lo pierdan! Tendremos osos, payasos y grandes sorpresas. ¡Ah! Y el reporte de la taquilla semanal.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (320 mb) como en ogv (168 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
Recuerden que si les gusta el video, pueden darnos like en el mismo en YouTube o en nuestro Fan Page en Facebook.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (320 mb) como en ogv (168 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
Recuerden que si les gusta el video, pueden darnos like en el mismo en YouTube o en nuestro Fan Page en Facebook.
1 de diciembre de 2014
Güeros
Estas y más críticas las pueden encontrar en el Quinto Especial de Cine Mexicano.
Premiada ya en varios festivales y esperando su lanzamiento comercial en marzo del año que entra, es que Güeros, la ópera prima de Alonso Ruíz Palacios ha empezado a hacer ruido tanto en muestras, foros o festivales nacionales. ¿De qué trata esta película que llega como aire fresco al cine nacional?
Tomás (interpretado por Sebastián Aguirre) es un adolescente al que no aguanta ni su madre. Debido a esto es que lo manda a vivir con su hermano mayor, conocido como El Sombra (interpretado por un genial Tenoch Huerta) el cual es un NiNi involuntario gracias a las huelgas y cierres universitarios. Ellos dos, junto con Santos (Leonardo Ortizgris) iniciaran un recorrido a través de la geografía citadina en una búsqueda casi mítica con resultados fascinantes.
Lo que inicia como un road movie contenido, debido a que todo el viaje transcurre dentro de los límites de esta tres veces heroica Ciudad de México, empieza a evolucionar de manera interesante gracias a nuestros personajes.Rompiendo esquemas tradicionales, uno no sabe si lo que está viendo es la historia dentro de la película, el detrás de cámara de la película, un comentario sobre el estado del cine mexicano o algo más. Cuenta la leyenda de que todo el guión de la película estaba en una libreta, dándole una sensación un tanto improvisada, lo cual es memorable gracias al tremendo trabajo actoral, particularmente de Tenoch Huerta, ya que logra sostener una cinta llena de momentos pequeños en medio de circunstancias y una ciudad más grande.
En cierta medida, Güeros es una versión renovada de Temporada de Patos, no solo debido a los elementos más obvios como el hecho de que ambas estén rodadas en blanco y negro, sino más bien porque se acercan a dar un retrato de la juventud en momentos de coyuntura personal. En Güeros tenemos una búsqueda que inicia quizás inocentemente, por encontrar a un roquero olvidado del que solo queda un audiocaset viejo que es uno de los pocos puntos de enlace que tienen Tomás y Sombra con su padre ausente. El encontrar al rockero, cuya música solo conocemos a través de las expresiones de fascinación de quienes escuchan sus rolas que nos son negadas, buscan darle un sentido a la sensación de vació que sus vidas poseen. Este viaje los saca del lugar seguro, del rincón de la pasividad, para hacerlos confrontar con la ciudad que les queda como un camino por recorrer en esta búsqueda.
La ciudad es otro personaje importante. En la cinta se ilustran las distintas idiosincracias de algunos puntos, e incluso se tratan lugares representativos en momentos conflictivos, como lo fue la UNAM en 1999. El tema de las huelgas estudiantiles, que recientemente ha vuelto a estar presente dentro de las noticias mexicanas, se ilustra de manera interesante, pero en vez de dar una especie de sermón o crítica sobre ellas, muestra lo incomprensible que puede ser un movimiento del que uno forma parte. Sombra y Santos son estudiantes que no estudian y solo acuden a la Universidad de manera casi fortuita. Es en este recorrido que ocurre una de las escenas más memorables de la cinta, en donde se rompe esta cuarta pared y el espectador forma parte como compañero. A su vez, personajes que aparentemente solo están para avanzar la historia, voltean a la cámara y comentan o cuestionan la legitimidad misma de la trama, de esa narrativa expresada en hojas de una libreta que en ese mismo momento, ante nosotros, se transforman en escena.
Una de las cosas que hizo que Kevin Smith fuera un director independiente relevante, gracias a su ópera prima, Clerks, fue su ingenioso manejo de diálogos. Esto también está presente en Güeros. Momentos como cuando Santos comenta acerca del estado actual del cine mexicano son simplemente brillantes. En sus propias palabras tenemos al "Puto cine mexicano... agarran unos pinches pordioseros y filman en blanco y negro y dicen que es arte... y los chingados directores, no conformes con la humillación de la conquista, todavía van al viejo continente y le dicen a los críticos franceses que nuestro país no es más que un nido de marranos, rotos, diabéticos, agachados, ratoneros, fraudulentos, traicioneros, malacopas, puñeteros, acomplejados y precoces". Curiosamente la cinta fue primero exhibida en festivales internacionales, como en Berlín. Comenta y critica aquello de lo que es parte, de manera similar a la escena anteriormente descrita, se vale de los mismos recursos de la narrativa para criticarse a sí misma.
Tras su paso en festivales y en la misma Cineteca, Güeros llegará a cartelera regular gracias a los amigos de Cine Canibal en Marzo. Es una cinta imperdible que se pone entre lo mejor del cine mexicano reciente. Quizás a algunos les incomode la manera en que muestra movimientos sociales o la irremediable vacuidad del ser, pero estos son solo elementos utilizados para el despertar de nuestros personajes, los cuales siempre han sido perspicaces, únicamente necesitaban una razón para salir a encontrarse con una realidad.
Premiada ya en varios festivales y esperando su lanzamiento comercial en marzo del año que entra, es que Güeros, la ópera prima de Alonso Ruíz Palacios ha empezado a hacer ruido tanto en muestras, foros o festivales nacionales. ¿De qué trata esta película que llega como aire fresco al cine nacional?
Tomás (interpretado por Sebastián Aguirre) es un adolescente al que no aguanta ni su madre. Debido a esto es que lo manda a vivir con su hermano mayor, conocido como El Sombra (interpretado por un genial Tenoch Huerta) el cual es un NiNi involuntario gracias a las huelgas y cierres universitarios. Ellos dos, junto con Santos (Leonardo Ortizgris) iniciaran un recorrido a través de la geografía citadina en una búsqueda casi mítica con resultados fascinantes.
Lo que inicia como un road movie contenido, debido a que todo el viaje transcurre dentro de los límites de esta tres veces heroica Ciudad de México, empieza a evolucionar de manera interesante gracias a nuestros personajes.Rompiendo esquemas tradicionales, uno no sabe si lo que está viendo es la historia dentro de la película, el detrás de cámara de la película, un comentario sobre el estado del cine mexicano o algo más. Cuenta la leyenda de que todo el guión de la película estaba en una libreta, dándole una sensación un tanto improvisada, lo cual es memorable gracias al tremendo trabajo actoral, particularmente de Tenoch Huerta, ya que logra sostener una cinta llena de momentos pequeños en medio de circunstancias y una ciudad más grande.
En cierta medida, Güeros es una versión renovada de Temporada de Patos, no solo debido a los elementos más obvios como el hecho de que ambas estén rodadas en blanco y negro, sino más bien porque se acercan a dar un retrato de la juventud en momentos de coyuntura personal. En Güeros tenemos una búsqueda que inicia quizás inocentemente, por encontrar a un roquero olvidado del que solo queda un audiocaset viejo que es uno de los pocos puntos de enlace que tienen Tomás y Sombra con su padre ausente. El encontrar al rockero, cuya música solo conocemos a través de las expresiones de fascinación de quienes escuchan sus rolas que nos son negadas, buscan darle un sentido a la sensación de vació que sus vidas poseen. Este viaje los saca del lugar seguro, del rincón de la pasividad, para hacerlos confrontar con la ciudad que les queda como un camino por recorrer en esta búsqueda.
La ciudad es otro personaje importante. En la cinta se ilustran las distintas idiosincracias de algunos puntos, e incluso se tratan lugares representativos en momentos conflictivos, como lo fue la UNAM en 1999. El tema de las huelgas estudiantiles, que recientemente ha vuelto a estar presente dentro de las noticias mexicanas, se ilustra de manera interesante, pero en vez de dar una especie de sermón o crítica sobre ellas, muestra lo incomprensible que puede ser un movimiento del que uno forma parte. Sombra y Santos son estudiantes que no estudian y solo acuden a la Universidad de manera casi fortuita. Es en este recorrido que ocurre una de las escenas más memorables de la cinta, en donde se rompe esta cuarta pared y el espectador forma parte como compañero. A su vez, personajes que aparentemente solo están para avanzar la historia, voltean a la cámara y comentan o cuestionan la legitimidad misma de la trama, de esa narrativa expresada en hojas de una libreta que en ese mismo momento, ante nosotros, se transforman en escena.
Una de las cosas que hizo que Kevin Smith fuera un director independiente relevante, gracias a su ópera prima, Clerks, fue su ingenioso manejo de diálogos. Esto también está presente en Güeros. Momentos como cuando Santos comenta acerca del estado actual del cine mexicano son simplemente brillantes. En sus propias palabras tenemos al "Puto cine mexicano... agarran unos pinches pordioseros y filman en blanco y negro y dicen que es arte... y los chingados directores, no conformes con la humillación de la conquista, todavía van al viejo continente y le dicen a los críticos franceses que nuestro país no es más que un nido de marranos, rotos, diabéticos, agachados, ratoneros, fraudulentos, traicioneros, malacopas, puñeteros, acomplejados y precoces". Curiosamente la cinta fue primero exhibida en festivales internacionales, como en Berlín. Comenta y critica aquello de lo que es parte, de manera similar a la escena anteriormente descrita, se vale de los mismos recursos de la narrativa para criticarse a sí misma.
Tras su paso en festivales y en la misma Cineteca, Güeros llegará a cartelera regular gracias a los amigos de Cine Canibal en Marzo. Es una cinta imperdible que se pone entre lo mejor del cine mexicano reciente. Quizás a algunos les incomode la manera en que muestra movimientos sociales o la irremediable vacuidad del ser, pero estos son solo elementos utilizados para el despertar de nuestros personajes, los cuales siempre han sido perspicaces, únicamente necesitaban una razón para salir a encontrarse con una realidad.
Carmín Tropical
Estas y más críticas las pueden encontrar en el Quinto Especial de Cine Mexicano.
Rigoberto Perezcano regresa a la pantalla grande con una muy interesante obra que se atreve a experimentar entre esos géneros cinematográficos en los que el cine mexicano usualmente no gusta ahondar, que es el thriller. Habiendo tenido merecido reconocimiento con Norteado, su cinta anterior, ¿qué es lo que nos ofrece Rigoberto con su trabajo más reciente?
Mabel (interpretada por José Pecina) regresa a su vieja localidad de Juchitlán, en el estado de Oaxaca. ¿La razón? Una de sus amigas, Daniela, falleció de manera terrible, siendo asesinada con decenas de puñaladas literales por la espalda. Determinada a encontrar al responsable, hace una investigación por su cuenta, lo cual la llevará a revisar su pasado y el entorno actual de su ciudad natal.
Rigoberto tiene experiencia narrando acerca de los entornos fronterizos. Alejándose de Tijuana, ciudad que usó como entorno en Norteado, su película anterior, decide mostrar Oaxaca, un entorno que le es más familiar. Al hacerlo toca figuras tradicionales como lo son los muxes, personas nacidas con sexo msculino que asumen roles femeninos. Tanto Daniela como Mabel son Muxes y poquito a poco, casi sin querer, tenemos un mejor entendimiento del aspecto cultural que representan. Al entrevistar al hermano de Daniela, este confieza que parte de la tristeza es que Daniela se hacía cargo de sus padres, lo cual es un rol que se da a los muxes, ya que dentro de la permisividad y aceptación que se les dá a estas personas, se considera que parte de sus responsabilidades es el hacerse cargo de sus padres cuando son ancianos. Mientras que se tiene esta especie de aceptación, proveniente de la cultura zapoteca en donde se les consideraba un tercer sexo igual a los dos biológicamente establecidos, el paso del matriarcado ancestral al patriarcado vigente lleva un cambio desagradable, como el hecho de que se han presentado recientemente asesinatos contra muxes en Oaxaca. Crímenes hechos con saña como el que desencadena la trama de esta cinta.
Contando con cierta experiencia en el documental, la cinta arranca con testimonios y un trabajo de cámara similar al de dicho género. Esto apoya enormidades para ubicarnos en una situación que se siente cercana, alejada de la artificialidad de un thriller policiaco. El bueno de la historia, la persona que va a resolver el caso, no es un policía ni un detective, es simplemente la amiga cercana del fallecido, y acude a las personas que pudieran tener una pista gracias a su enlace. Poco a poco empieza a desentrañar la información, complementando lo que tiene con datos policiacos así como con lo que escucha de sus viejas amigas y compañeras que trabajan en un bar, bailando o atendiendo la vida nocturna.
Mientras que estamos próximos al estreno del final de la serie de el Hobbit, saga que entre sus características tiene el uso de cámaras con High Frame Rate (HFR), el cual ha sido criticado debido a que la fluidez de movimiento se siente ajena al medio cinematográfico, así como por el hecho de que muestra con mayor detalle los trucos tales como los vestuarios artificiales utilizados en la serie, me hubiese encantado ver esta cinta ser rodada en dicho formato. El manejo de una fluidez visual en cámara gracias a trabajar con más de 24 cuadros por segundo hubiera complementado de manera efectiva el tratamiento en general con el que cuenta la cinta, la cual aborda la historia apegada al realismo casi documentalista, especialmente en la primera parte. Claro, esto es solo gusto personal que no va en detrimento sino como un deseo de que un aspecto técnico se hubiera explotado en conjunto con una historia que lo pudo haber aprovechado.
Volviendo a la película, entre los puntos más importantes están las actuaciones. Tanto la caracterización de los personajes, como el manejo de los mismos resalta la labor actoral de manera impresionante, lo cual le da vida al guión de manera efectiva. La mayoría de las personas cuentan sobre lo impresionante que es el final de la cinta, y en verdad lo es. No por que nos de una enorme sorpresa, sino porque su ejecución es simplemente brillante, y logra resaltar no por ser parte de una narrativa irregular, sino por la construcción de personajes, sus relaciones y las distintas situaciones, que nos llevan poco a poco a este climax tan memorable, quizás el mejor en el cine mexicano reciente. Y como ya saben, dale a la gente un final para recordar, y eso hará que la gente recuerde toda la película.
Desafortunadamente la distribución de la cinta será un tanto limitada. Su manejo en pantallas estará limitada a circuitos especializados por lo pronto, sin una fecha para su lanzamiento en cartelera regular, aunque se espera que adorne las salas el próximo año. Por lo pronto, confíen en mi en que es una cinta enorme y véanla cuando esté disponible. No se arrepentiran.
Rigoberto Perezcano regresa a la pantalla grande con una muy interesante obra que se atreve a experimentar entre esos géneros cinematográficos en los que el cine mexicano usualmente no gusta ahondar, que es el thriller. Habiendo tenido merecido reconocimiento con Norteado, su cinta anterior, ¿qué es lo que nos ofrece Rigoberto con su trabajo más reciente?
Mabel (interpretada por José Pecina) regresa a su vieja localidad de Juchitlán, en el estado de Oaxaca. ¿La razón? Una de sus amigas, Daniela, falleció de manera terrible, siendo asesinada con decenas de puñaladas literales por la espalda. Determinada a encontrar al responsable, hace una investigación por su cuenta, lo cual la llevará a revisar su pasado y el entorno actual de su ciudad natal.
Rigoberto tiene experiencia narrando acerca de los entornos fronterizos. Alejándose de Tijuana, ciudad que usó como entorno en Norteado, su película anterior, decide mostrar Oaxaca, un entorno que le es más familiar. Al hacerlo toca figuras tradicionales como lo son los muxes, personas nacidas con sexo msculino que asumen roles femeninos. Tanto Daniela como Mabel son Muxes y poquito a poco, casi sin querer, tenemos un mejor entendimiento del aspecto cultural que representan. Al entrevistar al hermano de Daniela, este confieza que parte de la tristeza es que Daniela se hacía cargo de sus padres, lo cual es un rol que se da a los muxes, ya que dentro de la permisividad y aceptación que se les dá a estas personas, se considera que parte de sus responsabilidades es el hacerse cargo de sus padres cuando son ancianos. Mientras que se tiene esta especie de aceptación, proveniente de la cultura zapoteca en donde se les consideraba un tercer sexo igual a los dos biológicamente establecidos, el paso del matriarcado ancestral al patriarcado vigente lleva un cambio desagradable, como el hecho de que se han presentado recientemente asesinatos contra muxes en Oaxaca. Crímenes hechos con saña como el que desencadena la trama de esta cinta.
Contando con cierta experiencia en el documental, la cinta arranca con testimonios y un trabajo de cámara similar al de dicho género. Esto apoya enormidades para ubicarnos en una situación que se siente cercana, alejada de la artificialidad de un thriller policiaco. El bueno de la historia, la persona que va a resolver el caso, no es un policía ni un detective, es simplemente la amiga cercana del fallecido, y acude a las personas que pudieran tener una pista gracias a su enlace. Poco a poco empieza a desentrañar la información, complementando lo que tiene con datos policiacos así como con lo que escucha de sus viejas amigas y compañeras que trabajan en un bar, bailando o atendiendo la vida nocturna.
Mientras que estamos próximos al estreno del final de la serie de el Hobbit, saga que entre sus características tiene el uso de cámaras con High Frame Rate (HFR), el cual ha sido criticado debido a que la fluidez de movimiento se siente ajena al medio cinematográfico, así como por el hecho de que muestra con mayor detalle los trucos tales como los vestuarios artificiales utilizados en la serie, me hubiese encantado ver esta cinta ser rodada en dicho formato. El manejo de una fluidez visual en cámara gracias a trabajar con más de 24 cuadros por segundo hubiera complementado de manera efectiva el tratamiento en general con el que cuenta la cinta, la cual aborda la historia apegada al realismo casi documentalista, especialmente en la primera parte. Claro, esto es solo gusto personal que no va en detrimento sino como un deseo de que un aspecto técnico se hubiera explotado en conjunto con una historia que lo pudo haber aprovechado.
Volviendo a la película, entre los puntos más importantes están las actuaciones. Tanto la caracterización de los personajes, como el manejo de los mismos resalta la labor actoral de manera impresionante, lo cual le da vida al guión de manera efectiva. La mayoría de las personas cuentan sobre lo impresionante que es el final de la cinta, y en verdad lo es. No por que nos de una enorme sorpresa, sino porque su ejecución es simplemente brillante, y logra resaltar no por ser parte de una narrativa irregular, sino por la construcción de personajes, sus relaciones y las distintas situaciones, que nos llevan poco a poco a este climax tan memorable, quizás el mejor en el cine mexicano reciente. Y como ya saben, dale a la gente un final para recordar, y eso hará que la gente recuerde toda la película.
Desafortunadamente la distribución de la cinta será un tanto limitada. Su manejo en pantallas estará limitada a circuitos especializados por lo pronto, sin una fecha para su lanzamiento en cartelera regular, aunque se espera que adorne las salas el próximo año. Por lo pronto, confíen en mi en que es una cinta enorme y véanla cuando esté disponible. No se arrepentiran.
30 de noviembre de 2014
Club Sandwich
Estas y otras críticas las podrán encontrar en el Quinto Especial de Cine Mexicano.
A más de un año de ser presentada en la emisión del 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia, es que finalmente llega a cartelera regular la cinta más reciente de Fernando Eimbcke.
Así como en sus cintas anteriores Eimbcke hace una exploración sobre la maduración y la confrontación con los cambios propios de la adolescencia, este tema es retomado en Club Sandwich. Héctor (interpretado por Lucio Giménez Cacho) está de vacaciones en un periodo en el que hacer nada es el plan, en compañía de su madre Paloma (María Renée Prudencio). En medio de esta comodidad en que la mayor preocupación es decidir si salir a tomar el solo o quedarse en su cuarto viendo tele, es que Héctor conoce a Jazmín (Danae Reynaud) simpática chamaca de edad similar con quien empieza a formar una relación casual, ante la mirada desconfiada de Paloma, quien no quiere perder a su hijo y mejor amigo y menos de manos de otra mujer.
La trama trata sobre la maduración y aceptación, pero curiosamente, no de Héctor, sino de la misma madre. El paso del tiempo es ese enemigo del ser humano que difícilmente aceptamos y en esta ocasión el crecimiento del hijo del que no se quiere despegar es lo que la pone en una situación incómoda.
Con una historia tan sencilla ubicada en medio de un limbo vacacional, el peso de la cinta cae sobre las actuaciones. Renée Prudencio es quien destaca por su naturalidad, la misma que comparte con Lucio. Como anécdota de producción, comentaba Eimbcke que al estar buscando a su actor, la actitud que tenía el hijo de Daniel Giménez Cacho fue lo que más le atrajo, ya que al proponerle la película, mostraba una cierta indiferencia, la cual se traslada perfectamente a lo que tenía visionado como el personaje de su historia. Aquí cuestiono si en realidad hay una actuación o simplemente fue Lucio "as himself" pero frente a la cámara. La tercera parte fuerte de la cinta viene de la mano de Danae, quien es siempre sencilla y encantadora.
Quizás debería de volver a ver la cinta, ya que aunque la encuentro eficiente y acorde al estilo de Eimbcke, me dejó una sensación tan gris como la existencia misma de los personajes. Lejos quedó el manejo de emociones que tenía Lake Tahoe o los pequeños momentos memorables de Temporada de Patos. No es porque no se incluya algo de ese estilo en esta cinta, sino que se siente como "más de lo mismo". Sin embargo en otros detalles como en el trabajo de imagen y fotografía, ese "más de lo mismo" ayuda bastante a la historia. Planos largos cortesía de un cuidado trabajo de cámara, la cual aguanta la imagen para explotarla como parte de la historia.
Quizás si hubiera salido el año pasado hubiese tenido mejor aceptación esta cinta, la cual contó con nominaciones al Ariel, a principio de año. Desafortunadamente una fórmula bien ejecutada como es lo que pasa con Club Sandwich se ve eclipsada ante trabajos más relevantes y propositivos como Carmín Tropical o Güeros, aunque es agradable tener tres formas tan distintas de hacer cine en nuestro país, siendo la película de Eimbcke la que cae dentro de lo que se espera de la producción nacional.
Igual la fecha de lanzamiento ayuda, ya que si no quieren ver Juegos del Hambre, es una de las pocas opciones alternativas disponibles en cartelera. Eso, si alcanzan una de sus pocas copias disponibles. En este caso, es completamente recomendable, como buen plato cinematográfico.
A más de un año de ser presentada en la emisión del 2013 del Festival Internacional de Cine de Morelia, es que finalmente llega a cartelera regular la cinta más reciente de Fernando Eimbcke.
Así como en sus cintas anteriores Eimbcke hace una exploración sobre la maduración y la confrontación con los cambios propios de la adolescencia, este tema es retomado en Club Sandwich. Héctor (interpretado por Lucio Giménez Cacho) está de vacaciones en un periodo en el que hacer nada es el plan, en compañía de su madre Paloma (María Renée Prudencio). En medio de esta comodidad en que la mayor preocupación es decidir si salir a tomar el solo o quedarse en su cuarto viendo tele, es que Héctor conoce a Jazmín (Danae Reynaud) simpática chamaca de edad similar con quien empieza a formar una relación casual, ante la mirada desconfiada de Paloma, quien no quiere perder a su hijo y mejor amigo y menos de manos de otra mujer.
La trama trata sobre la maduración y aceptación, pero curiosamente, no de Héctor, sino de la misma madre. El paso del tiempo es ese enemigo del ser humano que difícilmente aceptamos y en esta ocasión el crecimiento del hijo del que no se quiere despegar es lo que la pone en una situación incómoda.
Con una historia tan sencilla ubicada en medio de un limbo vacacional, el peso de la cinta cae sobre las actuaciones. Renée Prudencio es quien destaca por su naturalidad, la misma que comparte con Lucio. Como anécdota de producción, comentaba Eimbcke que al estar buscando a su actor, la actitud que tenía el hijo de Daniel Giménez Cacho fue lo que más le atrajo, ya que al proponerle la película, mostraba una cierta indiferencia, la cual se traslada perfectamente a lo que tenía visionado como el personaje de su historia. Aquí cuestiono si en realidad hay una actuación o simplemente fue Lucio "as himself" pero frente a la cámara. La tercera parte fuerte de la cinta viene de la mano de Danae, quien es siempre sencilla y encantadora.
Quizás debería de volver a ver la cinta, ya que aunque la encuentro eficiente y acorde al estilo de Eimbcke, me dejó una sensación tan gris como la existencia misma de los personajes. Lejos quedó el manejo de emociones que tenía Lake Tahoe o los pequeños momentos memorables de Temporada de Patos. No es porque no se incluya algo de ese estilo en esta cinta, sino que se siente como "más de lo mismo". Sin embargo en otros detalles como en el trabajo de imagen y fotografía, ese "más de lo mismo" ayuda bastante a la historia. Planos largos cortesía de un cuidado trabajo de cámara, la cual aguanta la imagen para explotarla como parte de la historia.
Quizás si hubiera salido el año pasado hubiese tenido mejor aceptación esta cinta, la cual contó con nominaciones al Ariel, a principio de año. Desafortunadamente una fórmula bien ejecutada como es lo que pasa con Club Sandwich se ve eclipsada ante trabajos más relevantes y propositivos como Carmín Tropical o Güeros, aunque es agradable tener tres formas tan distintas de hacer cine en nuestro país, siendo la película de Eimbcke la que cae dentro de lo que se espera de la producción nacional.
Igual la fecha de lanzamiento ayuda, ya que si no quieren ver Juegos del Hambre, es una de las pocas opciones alternativas disponibles en cartelera. Eso, si alcanzan una de sus pocas copias disponibles. En este caso, es completamente recomendable, como buen plato cinematográfico.
Nightcrawler
Gracias a la calendarización peculiar en la cartelera es que pasó casi de noche la opera prima de Dan Gilroy, escritor de cintas como Real Steel, aunque quizás era de esperarse considerando que el título original de Primicia Mortal es Nightcrawler, o el merodeador nocturno.
Para descargar el podcast sobre Nightcrawler, da click derecho con el ratón en este enlace y seleccionar la opción "guardar como" aquí. Para escucharlo, ahí tienes el reproductor de la columna del lado derecho así como el de la parte de abajo. Para suscribirte al podcast via iTunes, da click en este enlace. Para escucharlo o descargarlo directamente en su celular recomiendo que usen Spreaker y me pueden encontrar aquí. En caso de que quieran tips o recomendaciones para recorrer Los Ángeles de noche, con cámara de reportero, hagan favor dejar su información de contacto y foto en bikini después del click, o en Facebook.
Jake Gyllenhaal interpreta a Louis Bloom, un hombre que al no poder encontrar trabajo decente, se la pasa rondando por oportunidades de obtener dinero en la noche de Los Ángeles, entiendase por esto que roba hasta coladeras y rejas de alambre para revenderlas. Por azares del destino es que se encuentra con gente que trabaja como una especie de reporteros del crimen. Al saber de algún evento digno de reporte de nota roja, van a grabarlo para vender el material a las distintas televisoras de la ciudad. Esto despierta el interés de Louis quien a pesar de no tener experiencia, decide entrar en el negocio y está dispuesto a hacer lo que sea necesario con tal de lograr éxito en su nueva empresa.
A través de un thriller con una ejecución excelente, Dan Gilroy nos muestra aspectos interesantes de la vida nocturna de Los Ángeles, aunque más importante, nos muestra sobre quienes están a cargo de capturar y compartir estos aspectos. La personalidad fría y un tanto extraña de Louis Bloom nos muestra a una figura emocionalmente desapegada, que ilustra lo que el acceso a información pero con escaso contacto social puede lograr en una persona. Lou es práctico, frío y analiza las situaciones en base a un esquema de reglas que ha aprendido, entre otras cosas, gracias a buena cantidad de cursos que ha tomado en internet. En la cinta vemos su evolución como personaje, arrancando de ser alguien sin objetivos a alguien que, en base a ensayo y error, empieza a convertirse en una figura respetable dentro de los Nighcrawlers que buscan la noticia para venderla. Ojo, lo de "respetable" no tiene que ver tanto con su ética profesional, sino con el hecho de que está dispuesto a lo que sea con tal de conseguir una primicia.
En ocasiones es discutido sobre el papel que puede tener un fotógrafo que capta momentos extremos. En cintas como La Sal de la Tierra, en donde se documenta la vida de Sebastiao Salgado, un fotógrafo que ha recorrido el mundo captando momentos que van desde conflictos internacionales hasta hambrunas o éxodos masivos, uno llega a perder la esperanza en la humanidad al ver de cerca estos eventos catastróficos. ¿Tiene el fotógrafo o el reportero una responsabilidad en ayudar a las personas que está registrando con su cámara? En Nightcrawler se confronta esa pregunta desde el punto de vista profesional, y al desapegarse de una posible empatía, al final uno lo que realiza es su trabajo. Eso es lo que hace Lou, al buscar registrar o incluso provocar eventos que pudieran ser benéficos para su carrera como generador de contenidos para los noticieros. Su mente fría y un dejo de sociopatía lo ayudan a avanzar en su carrera.
Además de la dirección y el guión del mismo Gilroy, es de destacar el trabajo de Robert Elswit, fotógrafo con una muy amplia experiencia que ha trabajado más recientemente con gente como Paul Thomas Anderson. Su acercamiento para mostrarnos tanto a los personajes como lo que ellos están captando es efectivo. La historia se cuenta desde el punto de vista de Lou, pero no es para que logremos empatizar con él. Se pueden detectar influencias que van desde Scorsese hasta Michael Mann en la cinta. Un personaje solitario que confronta su realidad en un entorno agreste, nocturno, cuyo camino está manchado con aquellos por los que decide pasar encima.
La musicalización corre a cargo de James Newton Howard. Su participación como la de Elswit, siendo los dos veteranos del medio, muestran la fe en la calidad del trabajo de Dan Gilroy, quien con su primera cinta nos deja deseando más. Es una historia donde no hay conflicto entre el bien y el mal sino entre el manejo de diversos intereses, y no solo los del personaje principal. Tenemos un acercamiento sobre el manejo mediático y lo que da la pauta a las realidades que vemos en las pantallas de los medios informativos. El score cuenta con una sensación un poco ochentera que recuerda a cintas como Drive, sin embargo la creación de atmosferas es más eficiente en este caso, cosa que al combinar con el trabajo visual, complementan de manera excelente la obra dirigida por Gilroy.
Mientras que la mayoría de la gente prestaba atención a cintas como Interestelar es que Nightcrawler llegó a la cartelera nacional. Desafortunadamente al competir con esa cinta, Big Hero 6 o los Juegos del Hambre, la cinta estaba condenada a pasar desapercibida. Una verdadera lástima ya que a diferencia de las otras, en este caso se cuenta con todos los elementos que hacen un buen cine. Definitivamente algo que vale la pena verse en la gran pantalla.
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Jake Gyllenhaal interpreta a Louis Bloom, un hombre que al no poder encontrar trabajo decente, se la pasa rondando por oportunidades de obtener dinero en la noche de Los Ángeles, entiendase por esto que roba hasta coladeras y rejas de alambre para revenderlas. Por azares del destino es que se encuentra con gente que trabaja como una especie de reporteros del crimen. Al saber de algún evento digno de reporte de nota roja, van a grabarlo para vender el material a las distintas televisoras de la ciudad. Esto despierta el interés de Louis quien a pesar de no tener experiencia, decide entrar en el negocio y está dispuesto a hacer lo que sea necesario con tal de lograr éxito en su nueva empresa.
A través de un thriller con una ejecución excelente, Dan Gilroy nos muestra aspectos interesantes de la vida nocturna de Los Ángeles, aunque más importante, nos muestra sobre quienes están a cargo de capturar y compartir estos aspectos. La personalidad fría y un tanto extraña de Louis Bloom nos muestra a una figura emocionalmente desapegada, que ilustra lo que el acceso a información pero con escaso contacto social puede lograr en una persona. Lou es práctico, frío y analiza las situaciones en base a un esquema de reglas que ha aprendido, entre otras cosas, gracias a buena cantidad de cursos que ha tomado en internet. En la cinta vemos su evolución como personaje, arrancando de ser alguien sin objetivos a alguien que, en base a ensayo y error, empieza a convertirse en una figura respetable dentro de los Nighcrawlers que buscan la noticia para venderla. Ojo, lo de "respetable" no tiene que ver tanto con su ética profesional, sino con el hecho de que está dispuesto a lo que sea con tal de conseguir una primicia.
En ocasiones es discutido sobre el papel que puede tener un fotógrafo que capta momentos extremos. En cintas como La Sal de la Tierra, en donde se documenta la vida de Sebastiao Salgado, un fotógrafo que ha recorrido el mundo captando momentos que van desde conflictos internacionales hasta hambrunas o éxodos masivos, uno llega a perder la esperanza en la humanidad al ver de cerca estos eventos catastróficos. ¿Tiene el fotógrafo o el reportero una responsabilidad en ayudar a las personas que está registrando con su cámara? En Nightcrawler se confronta esa pregunta desde el punto de vista profesional, y al desapegarse de una posible empatía, al final uno lo que realiza es su trabajo. Eso es lo que hace Lou, al buscar registrar o incluso provocar eventos que pudieran ser benéficos para su carrera como generador de contenidos para los noticieros. Su mente fría y un dejo de sociopatía lo ayudan a avanzar en su carrera.
Además de la dirección y el guión del mismo Gilroy, es de destacar el trabajo de Robert Elswit, fotógrafo con una muy amplia experiencia que ha trabajado más recientemente con gente como Paul Thomas Anderson. Su acercamiento para mostrarnos tanto a los personajes como lo que ellos están captando es efectivo. La historia se cuenta desde el punto de vista de Lou, pero no es para que logremos empatizar con él. Se pueden detectar influencias que van desde Scorsese hasta Michael Mann en la cinta. Un personaje solitario que confronta su realidad en un entorno agreste, nocturno, cuyo camino está manchado con aquellos por los que decide pasar encima.
La musicalización corre a cargo de James Newton Howard. Su participación como la de Elswit, siendo los dos veteranos del medio, muestran la fe en la calidad del trabajo de Dan Gilroy, quien con su primera cinta nos deja deseando más. Es una historia donde no hay conflicto entre el bien y el mal sino entre el manejo de diversos intereses, y no solo los del personaje principal. Tenemos un acercamiento sobre el manejo mediático y lo que da la pauta a las realidades que vemos en las pantallas de los medios informativos. El score cuenta con una sensación un poco ochentera que recuerda a cintas como Drive, sin embargo la creación de atmosferas es más eficiente en este caso, cosa que al combinar con el trabajo visual, complementan de manera excelente la obra dirigida por Gilroy.
Mientras que la mayoría de la gente prestaba atención a cintas como Interestelar es que Nightcrawler llegó a la cartelera nacional. Desafortunadamente al competir con esa cinta, Big Hero 6 o los Juegos del Hambre, la cinta estaba condenada a pasar desapercibida. Una verdadera lástima ya que a diferencia de las otras, en este caso se cuenta con todos los elementos que hacen un buen cine. Definitivamente algo que vale la pena verse en la gran pantalla.
25 de noviembre de 2014
Muvi Draft - Invierno 2014 - Episodio 04
Y para darles el reporte de esta semana me acompaña el hombre, el corredor, la leyenda, Arturo Aguilar , y juntos en formación militar coreografiada, les diremos como avanza la taquilla y los resultados en este Muvi Draft.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (290 mb) como en ogv (133 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
Recuerden que si les gusta el video, pueden darnos like en el mismo en YouTube o en nuestro FanPage en Facebook.
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19 de noviembre de 2014
Muvi Draft - Invierno 2014 - Episodio 03
Arrancamos con el segundo reporte del #MuviDraft en donde les doy la actualización sobre los números en taquilla. Un avance: soy el gran ganador (hasta el momento) este magno evento.
Ojo, esta es la Toma 2 del reporte. La 1a toma por un error técnico de mi parte, solo se pudo escuchar via Spreaker y pueden escucharla por acá. Fue un experimento para hacer doble streaming, aunque como notaran al principio de la toma 2, no lo vuelvo a hacer.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (149 mb) como en ogv (84 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
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Ojo, esta es la Toma 2 del reporte. La 1a toma por un error técnico de mi parte, solo se pudo escuchar via Spreaker y pueden escucharla por acá. Fue un experimento para hacer doble streaming, aunque como notaran al principio de la toma 2, no lo vuelvo a hacer.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (149 mb) como en ogv (84 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
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11 de noviembre de 2014
Muvi Draft - Invierno 2014 - Episodio 02
Arrancamos con el primer reporte del #MuviDraft en donde Dany Saadia me acompaña para ver los números del primer fin de semana de esta temporada.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (387 mb) como en ogv (206 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
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Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (387 mb) como en ogv (206 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
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