Estas y otras críticas las pueden encontrar en el Quinto Especial de Cine Mexicano.
Sebastián del Amo regresa a las salas de cine con otra cinta biográfica enfocada en personajes importantes de la cinematografía nacional. Tras la buena recepción que tuvo El Fantástico Mundo de Juan Orol, toma un proyecto más ambicioso y con más presupuesto para llevar a la pantalla grande la vida de Mario Moreno "Cantinflas".
La cinta utiliza como eje la búsqueda por parte de Michael Todd (Michael Imperioli) por producir la película basada en La Vuelta al Mundo en 80 Días, en un periodo en que los grandes estudios se peleaban el mercado de las súper producciones. En su búsqueda se topará con Mario Moreno (Óscar Jaenada, callando a quienes lo criticaban solo por su nacionalidad), comediante mexicano con fama internacional. Durante la historia exploramos el inicio y desarrollo de su carrera en una serie de flashbacks, mientras se busca levantar la producción de la adaptación de la obra de Julio Verne.
Siendo una de las cintas más esperadas en su presentación desde el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara llegaba no con pocas expectativas. Los más escépticos dudaban de la capacidad de un actor extranjero para interpretar al ícono mexicano. Desde el inicio, la cinta se muestra como un producto no catalogable como el típico cine mexicano, incluso del más comercial. La calidad de la producción es algo que resalta desde el inicio, gracias en parte a una de las pocas secuencias de créditos iniciales cuidadas y lucidoras que hay en el cine mexicano reciente.
Mientras que el casting de Jaeneada como el principal es lo más sonado en el aspecto actoral, eso no significa que sea el único rostro reconocible en la cinta. Luis Gerardo Méndez, Giovanna Zacarías, Adal Ramones, Ana Layevska, Bárbara Mori, Joaquín Cosio, Eduardo España y muchos más interpretan a diversas personalidades del cine contemporáneos de la época de Cantinflas, por lo que quizás sería buena idea dar loterías con sus rostros antes de cada función, para que el espectador no solo vea una película sino que cuente con entretenimiento en base de trivia al verla.
Es agradable ver como Sebastían del Amo amplía su panorama con esta cinta. El Fantástico Mundo de Juan Orol mostraba su respeto y cuidado por el cine nacional. Con Cantinflas hace lo mismo pero con un personaje que ayuda a expandir el alcance de su obra. Su crecimiento como director va en la dirección correcta y me pregunto si quedará como el biógrafo cinematográfico favorito del público.
Cabe destacar que esta cinta ha tenido un estreno previo en Estados Unidos, antes a su lanzamiento en cartelera regular en México. Una ruta que me suena acertada, alejada de una visión muy regional que parece tener buena parte de la producción nacional. Espero que tenga buena recepción en taquilla y no solo con público de sectores especializados, sino con todos en general.
A final de cuentas, Cantinflas es una película recomendable. Tanto el trabajo en su producción como la calidad actoral y la misma dirección nos dan en conjunto una cinta tanto disfrutable como recomendable. Un enfoque que no se clava tanto en los aspectos negativos o polémicos del personaje, pero tampoco los evita.
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Pocos son los documentales cuyo propósito es crear conciencia social que alcanzan la cartelera regular. Dentro de ese escaso grupo es que tenemos H2Omx, trabajo de José Cohen y Lorenzo Hagerman enfocado en el enorme problema que plantea el abastecimiento de agua a la ciudad más habitada del país.
Tras un fallido trabajo en 0.56% ¿Qué le pasó a México? en el que el enfoque defeño nublaba una perspectiva cercana a ser objetiva, Lorenzo Hagerman en conjunto con José Cohen deciden enfocarse en un problema alejado de las contiendas políticas, pero de un mayor interés humano. Iniciando por un análisis al origen mismo del problema, la cuestionable decisión de establecer una ciudad en un terreno más húmedo que seco gracias a la fortuita y mítica aparición del águila y su desayuno llevó al establecimiento de la capital del país en esa zona, la cual actualmente cuenta con más de 20 millones de habitantes.
Mientras que el problema golpea de manera más fuerte a las zonas marginadas de la ciudad, también afecta en zonas más exclusivas. El análisis cubre no solo geográficamente el problema y da una perspectiva completa de sus implicaciones. El flujo de agua canibalizado a las zonas aledañas (principalmente gracias al sistema Cutzamala) es ilustrado y vemos como hay terribles deficiencias en su manejo. No se cuenta con un sistema de recolección pluvial, y el transporte de la misma agua cuenta con una perdida de casi la mitad de su contenido. Esto en conjunto con la generación de aguas negras de la misma urbe crean un conflicto difícil.
Mientras que el cúmulo de entrevistas mostrado en el documental muestran una visión más que negativa, no es el enfoque del mismo. Pequeñas acciones concretas son ilustradas por el trabajo de jóvenes ingenieros que ofrecen soluciones a pequeñas comunidades, tales como sistemas de recolección de lluvia, los cuales al mostrar sus beneficios, son esquemas que deberían de ser utilizados de manera más extendida, especialmente si consideramos las abundantes lluvias que estuvieron llegando a la ciudad en semanas pasadas, de las cuales, prácticamente todo su contenido se fue directamente al drenaje.
Desafortunadamente sin un brazo de distribución y publicidad es difícil que este tipo de trabajos lleguen al público en general. Si bien tiene una función más didáctica, es un trabajo concientizador que merece ser difundido gracias a su labor de investigación. Cabe destacar que tampoco se debe de catalogar como un "problema chilango". Tuve la oportunidad de ver este trabajo en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia, y fue interesante la recepción del público, donde se buscaba promover y se comparaba con circunstancias locales. Al parecer el interés ha sido mayor, ya que la cinta ha contado con una distribución no solo limitada al centro del país. Esperemos que logre mantenerse.
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Dentro de lo que he catalogado como un caso peculiar de Taboaditis aguda, es que nos llega el tercer remake de la obra de Carlos Enrique Taboada, quizás el más reconocido director de cine de horror de nuestro país.
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La historia es de esas que aunque no las conozcamos, es como si la hubiéramos visto varias veces. Tía con dinero muere y deja un fondo de producción millonario que será otorgado a un grupo de realizadores con la condición de que hagan una película sobre un gato donde no aparezca el gato, y se llene con estereotipos femeninos y se haga en tres dimensiones. En caso de no ser así, se les aparecerá en las noches y les jalará los pies. Bajo esa premisa, o una similar, es que llega la más reciente cinta de Henry Bedwell.
Como bien menciona Ernesto Diezmartínez en su crítica, quien sabe que mosco le picó a los realizadores para hacer malos e innecesarios remakes de la obra del irregular Carlos Enrique Taboada, especialmente si consideramos que la premisa de Más Negro que La Noche no es particularmente original. Grupo de chicas se queda en casa cuasi abandonada donde fuerzas sobrenaturales acosan. El problema principal además de su ejecución, viene en la falta de comprensión de lo que hizo interesante a la obra original.
Para hacer una comparación un poco más justa, después de ver el remake me puse a desempolvar mis DVDs y ver de nuevo la historia de la loca del gato. Taboada tenía un excelente manejo de atmósferas además de haber patentado el plano nalgamericano con calzón de encaje en sus películas. Las protagonistas son simpáticas y se logra cierta empatía. Curiosamente la mansión utilizada en la cinta original se ve como una casa que sigue siendo utilizada, sin necesidad de mostrarla como un lugar con pésima iluminación y donde a pesar de contar con un ama de llaves, todo se encuentra descuidado o empolvado, como ocurre con el remake. De la misma manera, el guión aunque es sencillo es más creíble. La tía al morir deja de encargo a su adorado gato a su sobrina, quien se va a vivir a la mansión heredada con unas amigas, entre las cuales una tiene un canario. Al gato le gana su naturaleza y se come al canario, lo que ocasiona la antipatía de la dueña, lo que ocasiona el duelo que se tornara sobrenatural. En la nueva versión se cambia al canario por un hurón porque los canarios no están de moda y se decide aderezar la sencilla trama al incluir una hermana fantasma, una amante maldita y cosas tan necesarias como una granizada en medio partido de futbol. Desafortunadamente los nuevos elementos no aportan absolutamente nada haciendo que la historia se sienta más hueca e irrelevante, casi tanto como los personajes.
En el aspecto técnico hay quienes mencionan que la tridimensionalidad de la cinta está bien lograda, pero aquí aplica el opuesto al caso de que aunque seas un buen fotógrafo, no falta el ignorante que te chulea la cámara y dice que ha de tomar muy buenas fotos. La fotografía no está pensada para 3D aunque técnicamente luzca decente buena parte de la película. Se nota la profundidad y la misma luce bien, sin embargo en una película de este género, la calidad de imagen va en detrimento. Mientras menos y más borroso veamos el mal que nos acosa, mejor.
El manejo de capas es... peculiar. Por ejemplo, en la mayoría de las escenas con close o medium close ups donde aparece "la lesbiana", la imagen se ve descuadrada. La vemos de lado pero su cabello salta y se ve más cercano al espectador que su hombro, siendo que su hombro está más cercano. Lo mismo ocurre con varios elementos. Se nota que aunque supieron setear las cámaras, no supieron encuadrar pensando en el 3D. De nada sirve tener o ramas secas en una alberca abandonada que sobresaltan en primerísimo plano mientas que el resto se ve plano. Lo mismo ocurre con el juego de enfoques. El tener un candelabro en primer plano, resaltando, desenfocado, va en detrimento. Es aplicar el manejo de separación de elementos pensando en fotografía tradicional, usando enfoques, en lugar de la dimensión.
Claro que es la primera cinta hecha en 3D en nuestro país, pero al usar cámaras Epic, las cuales son de lo más común para la renta de equipo, no se debe de considerar eso como un plus, especialmente cuando no se saben aprovechar. El uso de la dimensión extra como un gimmick para cobrar más es lo que hace que cada vez queramos ver menos películas en este formato. Curiosamente hay una diferencia notable entre esta cinta con 3D Nativo y Guardianes de la Galaxia, que tiene conversión digital. En Guardianes las capas aportan a crear un entorno, aunque desafortunadamente pasa a un segundo plano ya que dicha profundidad no es explotada en la imagen. En el caso de Más Negro que la Noche, si bien no dudo que en la post producción hayan revisado el material para revisar que hubiera profundidad de imagen, no se hizo una adecuación en escenas como las ya mencionadas donde hay elementos que se descuadran feamente en la imagen. Hay técnicos que se dedican únicamente a revisar esos elementos, aunque me queda claro que en México no hay mucho campo de trabajo. Yo me ofrezco como asesor con mucho gusto.
A final de cuentas la cinta termina siendo una obra completamente olvidable. A pesar de la edad que tiene la original, funciona mucho mejor en el entorno actual. Tristemente se sigue desacrando innecesariamente la memoria de Taboada cuando tenemos películas clase B que funcionan mejor que la primera cinta rodada en 3D en México.
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Tras un año de haber sido exhibida en festivales cinematográficos nacionales e internacionales es que llega a nuestra cartelera Workers, película escrita y dirigida por José Luis Valle, quien alejándose un poco del género en que hizo su primera película (El Milagro del Papa), se aventura en la ficción para mostrarnos un par de historias acerca del trato laboral en nuestro país.
Rafael (Jesús Padilla) ha trabajado de intendente por casi treinta años en la misma empresa. Finalmente es hora de retirarse pero debido a un problema técnico en sus documentos, parece que no podrá gozar los beneficios de su jubilación. ¿Cómo puede lidiar ante semejante decepción tras años de entrega? Mientras eso ocurre, por otro lado conocemos la historia de Lidia (Susana Salazar) empleada doméstica de una ricachona que al fallecer (la ricachona) hereda todo su dinero y posesiones a su mascota, una perra que cuando su dueña vivía le dio todos los lujos y quien pretende que los mismos continúen incluso tras su muerte.
Dice el dicho que "el que nace para maceta, no pasa del corredor". Lo mismo aplica para los personajes de Rafael y Lidia quienes, a pesar de ser dedicados en su trabajo, parecen ser incapaces de lograr algo por lo que aspiran. El manejo que tiene el realizador sobre los personajes es bastante interesante ya que al final del día no hay buenos ni malos, solo personas en medio de circunstancias que son ridículas. Por ejemplo en el caso del jefe de Rafael no tenemos el cliché del patrón explotador que es incapaz de concederle su justa y merecida jubilación. Simplemente es alguien que ante la falta de un documento, error que viene desde años atrás, no puede conceder la recompensa. Sin embargo es capaz de concederle la "oportunidad" de que continúe su trabajo. Lo mismo ocurre en el caso de la patrona de Lidia. ¿Por qué habría de dejarle sus posesiones a sus trabajadores cuando a quien más quiere es a su perra? Tampoco es cruel ni despiadada, ya que tras la muerte ocasionada por causas naturales de su querido can, los mismos podrán pasar a esas personas que tanto servicio le rindieron.
Como bien han mencionado camaradas como Alejandro Alemán, en su crítica sobre la película, el mayor atributo que tiene la misma es la sutilidad. La primera mitad sirve para establecer personajes y circunstancias, las cuales se desarrollan plenamente en la segunda parte. Se sigue una receta a fuego lento en el que los momentos de verdadero humor carecerían de sentido si no fuera por la cuidada construcción que se tiene desde el principio. Esto se logra también gracias al desarrollo de los personajes los cuales se muestran tridimencionales, muy humanos. La ilusión o incluso el posterior deseo de superación de Rafael, quien a pesar de su edad decide aprender a leer y escribir y es apoyado por un joven bien intencionado.
Al terminar de ver la cinta en un pasado festival, recuerdo que la catalogaba como una "Cinta de Fórmula Festivalera ® que curiosamente justifica el recurso". Es el ritmo pausado el que logra ubicarnos dentro de una cotidianidad en la que aparentemente no pasa nada, pero que poco a poco va construyendo los momentos que ilustran la narrativa.
En el lado negativo de la obra tenemos el diseño sonoro. Tendré que corroborar con quienes hayan visto la cinta en su corrida comercial si eso se logró solucionar, ya que no es agradable el depender de los subtítulos (los cuales probablemente sean ausentes en la versión comercial, ya que el idioma hablado es español) para poder entender los diálogos de los personajes.
Saliendo con ocho copias (nueve si contamos la de la Cineteca), Workers es una película difícil de encontrar y cuya fórmula puede trabajar en su contra. No es cine para todo público, especialmente si consideramos que la mayor parte de la audiencia prefiere el cine espectacular o del chiste de gratificación inmediata en esta temporada. Aunque soy de los mayores críticos del cansancio de la fórmula festivalera en una película mexicana, Workers es de esos raros ejemplos en donde está plenamente justificado y aprovechado el uso de ese tipo de narrativa. Si les interesa ver ese tipo de cine, sin lugar a dudas Workers es una opción recomendable.
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Lalo Magaña, camarada y conocido del blog desde hace años, nos acompaña para hablarnos sobre lo que uno, como espectador, puede esperar en el cine. ¿Tenemos derecho a ver algo? ¿Tenemos algún tipo de obligación en el cine? Eso y más en el palomazo número 29.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (384 mb) como en ogv (197 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
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De vez en cuando hay películas que a pesar de no tener un estreno comercial significativo, o a veces ni siquiera un estreno comercial, llegan a llamar la atención. Este es el caso de Snowpiercer, película dirigida por Joon-ho Bong, la cual difícilmente verá la luz en la cartelera mexicana.
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Basada en la novela gráfica Le Transperceneige , obra de Jacques Lob, Benjamin Legrand y Jean-Marc Rochette, tenemos esta adaptación fresca no solo en el título. El apocalípsis no es innevitable. El fin del mundo ya ocurrió y acompañamos a los sobrevivientes que viven en un tren que da la vuelta al mundo para evitar el congelamiento ocasionado por el cambio climático. Mason (Tilda Swinton interpretando a la prefecta encargada de que la gente dentro del tren se comporte de manera adecuada) les recuerda a todos su situación: "Conoce tu lugar. Acepta tu lugar. Se un zapato" les dice a los habitantes de la cola del tren, la clase más baja. En contraposición tenemos a Curtis (interpretado por Chris Evans, el otrora Capitán América) quien está cansado del sistema de castas que reina en el lugar y está dispuesto a todo con tal de ir al frente (literal y figurativamente), y ayudado por su mentor Gilliam (John Hurt) encabeza la revuelta que es el eje central de esta película.
Snowpiercer es una cinta que fue estrenada el año pasado en Corea del Sur, su lugar de origen, y que poco a poco ha tenido una distribución discreta. En Estados Unidos ya ha tenido un lanzamiento limitado pero ha tomado revuelo gracias a la distribución digital o las mismas copias apócrifas que circulan en la red. Su recepción ha sido bastante positiva debido a la ambición que tiene la cinta y a la exquisita manufactura. La historia se muestra como algo muy sencillo y narra el avance que tiene la revuelta para derrocar al poder mandante, sin embargo es gracias al trabajo visual que sobresale entre otras piezas de similar temática.
El mundo es el tren en que habitan. No hay nada fuera del mismo y solo hay las clases (o vagones) que están al frente o detrás. Mientras que la revuelta avanza palmo a palmo podemos encontrar con todo el esquema social el cual está diseñado para que los habitantes se contengan a si mismos dentro de su lugar adecuado. Las preocupaciones principales de los vagones posteriores es la supervivencia, mientras son controladas por los guardias armados que mantienen el orden. Tenemos vagones con servicios médicos y educativos, los cuales adoctrinan a los niños a aceptar y vivir en su entorno. Las clases privilegiadas podrán tener mayores lujos, pero no cuestionan el status quo e incluso hay vagones donde solo encontramos gente en estados de conciencia alterados gracias a drogas, donde no importa nada más en medio de una nebulosa existencia.
Además de los personajes mencionados, contamos con Namgoong Minsu (interpretado por Kang-Ho Song, actor de confianza del director) y su hija Yona. Namgoong conoce el sistema de puertas que divide los vagones ya que él los creo. Su visión sobre la realidad en la que viven es particular y única ya que todos los personajes solo pueden confrontar o lo que está en frente o lo que está detrás de ellos. No existe nada más. El mundo es el tren. En una escena al recorrer la mitad, las ventanas se abren y la luz deslumbra a los personajes. Los únicos que son capaces de ver al exterior son Namgoong y su hija, a quien educa, a veces de manera forzada, para que sea capaz de captar que hay más que la violencia o la realidad misma contenida dentro del vagón.
En esta misma línea, el manejo de imagen no solo cuenta con un cuidado diseño de arte y ambientación. Las perspectivas de los personajes son consistentes con la visión lineal de la historia. Solo se ve al frente o hacia atrás, teniendo dominante la presencia de perfiles en la mayoría de las escenas. Complementando esto tenemos un juego de acomodo de elementos que contribuye a crear un sentido claustrofóbico en el cual hay poco aire en el cuadro. Todo esta contenido por los muros u otros personajes. En el momento de confrontación con con Wilford (Ed Harris) creador y amo absoluto del tren, este le pregunta a Curtis cuando fue la última vez que estuvo solo. El manejo de espacios es importante y podemos notar un contraste entre el uso inteligente de elementos para obstruir la visión o la fascinación que pueden despertar las recreaciones de vagones donde hay peceras que cubren todo o incluso los mismos servicios, como la escuela mencionada, o la carnicería, entre otros.
Por un lado han surgido críticas mencionando que la historia es sencilla y los diálogos no son tan inteligentes o filosóficamente satisfactorios en la cinta, considerando el potencial que tenía. En realidad esto se debe a que nos hemos malacostumbrado a que una cinta se considere "inteligente" si usa palabras domingueras o elementos que parecen trascendentales en los diálogos. En contraposición, Snowpiercer es un excelente ejemplo de como utilizar los elementos cinematográficos, no solo los diálogos, para ilustrar algo. El trabajo de cámara, el ritmo de edición, las actuaciones, la musicalización, todo en función de una película que no depende de la primicia para ser interesante. Por si fuera poco, es aderezada por pequeños guiños como el nombre de algunos personajes como Gilliam (referencia a Terry Gilliam) o Edgar (por Edgar Wright) que aunque no contribuyen, muestran el respeto que tiene el director por el trabajo de otros realizadores a quienes les rinde un pequeño tributo al reflejarlos en su propia cinta.
Snowpiercer es una cinta que difícilmente llegará a la cartelera regular de nuestro país, pero no por eso debe ser menospreciada. Pueden adquirirla en formato digital en tiendas como Amazon o iTunes y es una obra que vale la pena. Es un comentario sobre los esquemas sociales con una manufactura y ritmo envidiable que la vuelven una obra muy superior a la mayoría de los estrenos de temporada de
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Mientras que el verano cinematográfico está a punto de terminar, Disney lanza una cinta más basada en esa caja mágica de explotación de licencias que es Marvel Comics, y en esta ocasión nos trae a los reconocidos y famosos Guardianes de la Galaxia, quienes son algo así como los Vengadores Siderales.
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En el espacio exterior nos encontramos con Peter Quill (interpretado por Chris Pratt) quien trabaja como una especie de Indiana Jones del espacio, con toda la actitud pero con cohetes y casco en lugar de látigo y sombrero, recorre la galaxia buscando objetos de valor para revenderlos. En su más reciente misión se encuentra con un orbe misterioso que es buscado no solo por él sino por gente más peligrosa, lo cual lo lleva a ser perseguido y encarcelado en un lugar donde tendrá que formar alianzas incómodas con un grupo de inadaptados como él, con tal de liberarse y poder sacar algo de ganancia, demostrando que hasta los forajidos más malentendidos pueden ser franquicias redituables en el cine.
Basado ligeramente en el grupo de personajes del mismo nombre, Guardianes de la Galaxia es la búsqueda de Marvel en el fondo del barril para sacar personajes que puedan convertirse en maquinitas de dinero. Mientras que desde el principio extrañó a más de alguno el grupo tan peculiar de personajes, sus resultados en taquilla demuestran que tanto Marvel como Kevin Feige saben lo que hacen, ya que gracias a su trabajo han convertido al estudio en una máquina demasiado buena para fracasar. Sus decisiones cuestionables como la selección de los personajes, el director James Gunn o del mismo casting, rindieron fruto de manera efectiva y el concenso general es que la cinta es un éxito, a pesar de las fallas que tiene como película.
Dentro de lo positivo, es agradable tener una cinta que se aleja de la necesidad de dar una historia de origen de todos sus personajes y tarda en hacer que ocurra algo de acción. Mientras que en Avengers, el gran hit de la compañía necesita más de una hora para juntar a sus figuras ya presentadas en otras películas para finalmente ponerlos a salvar una ciudad, en Guardianes de la Galaxia para esa hora ya recorrimos el universo y regresamos para continuar con una trama aderezada con música pegajosa, la cual es realmente el eje de la cinta y funciona para conectar al espectador con los ambientes alejados de nuestra realidad terrenal.
Desde el primer tráiler se establece que la historia escrita por Nicole Perlman y el mismo director James Gunn reconoce sus limitantes y el estilo que mejor le puede quedar. Los personajes son unos desconocidos y juegan con ello en el mismo personaje de Peter Quill, conocido como Star Lord, aunque sea solo en su casa. Eso no importa para que se logre desarrollar de una manera empática con el espectador en una historia en lo que más importa es la búsqueda y la aventura. De la misma manera los personajes cuentan con apenas el suficiente trasfondo para que se vuelvan interesantes, especialmente si consideramos que dos de los tres más memorables son generados por computadora y son un árbol y un mapache.
El mayor logro de la cinta es el manejo del humor, eficaz en la mayoría de las situaciones. Mientras que cintas como Avengers padecen del hecho de que la mayoría de sus chistes solo funcionan una vez y en la segunda pasada se notan sosos, los gags dentro de los Guardianes funcionan muy bien, gracias a que se ubican en medio de un entorno fantástico imaginario, sin embargo, algunos de los momentos representativos son terriblemente crueles si nos ponemos a analizarlos fríamente. Rocket Racoon es un mapache psicópata que muchos encuentran adorable. Si les digo que alguien es capaz de maltratar a un discapacitado al quitarle su silla de ruedas y dejarlo tirado en el suelo, seguro encontrarán dicha acción como de pésimo gusto, pero si les digo que el mapache es capaz de hacer cosas similares o peores con tal de ejecutar un chiste, resulta que es divertidísimo. Lo mismo ocurre en una escena en la que Groot atraviesa a múltiples soldados de un ramazo y los azota con el suelo, el muro, e incluso con otros soldados, eliminándolos a todos. Al final hace una cara linda y podemos perdonarle la masacre al primo sideral del árbol de Jumex. Las muertes, los maltratos y las consecuencias negativas no importan ya que al final le ocurren a los malos de la película. Claro, Superman no puede eliminar como última opción a un enemigo incontenible porque arde Roma, pero a estos personajes les podemos perdonar todo.
Mientras que no veo de una manera tan negativa este tipo de aspectos, al igual que algunos problemas con la narrativa del guión como lo hizo Julian Darius en Sequart, tomo una página del libro de Gareth Higgins sobre el análisis de la causa y el efecto de la violencia en el cine para cuestionar este tipo de acciones. La ciencia ficción solía servir como vehículo para un análisis del entorno contemporáneo de una manera en la que no se sienten aludidas las partes correspondientes. Si queremos podemos relacionar la búsqueda de venganza del malo de la película contra una nación con los actuales conflictos en el medio oriente y ver un simil, aunque dudo que esa haya sido la intención de los guionistas. Sin embargo el manejo frívolo de la violencia como moneda de cambio en las escenas mencionadas, o incluso la búsqueda de genocidio se tratan de manera muy ligera en esta cinta, haciendo que temas densos pierdan peso y en cierta medida se sientan irrelevantes. No importa si el mapache dice que va a organizar defensas y salvar gente, ya que al final termina matando otra. Aunque claro, matar nazis no es como si matáramos gente normal. Lo mismo podría aplicar aquí.
Como nota técnica, vale la pena mencionar que la conversión a 3D que tiene la cinta es la mejor que ha hecho Marvel a la fecha, aunque eso no necesariamente es un punto positivo. Es recomendable verla en 2D y ahorrarse unos pesos ya que solo en dos escenas se explota el recurso de dicha conversión, aunque debo de decir que en prácticamente toda la cinta se nota el trabajo de profundidad en los escenarios, aunque el mismo es solo para fines cosméticos.
Mientras que me da gusto el resultado a nivel entretenimiento que brinda la cinta al público en general, encuentro preocupante el hecho de que Marvel se ha convertido en el nuevo Pixar en cierta medida y no se puede criticar sus películas o decir siquiera que no son tan buenas, ya que los fans enardecidos se pueden volver en tu contra. El domingo tuve un par de conversaciones interesantes en las cuales, en una defendía esta cinta y en otra cuestionaba su aparentemente indudable calidad. Es triste encontrar una cerrazón en algunos grupos de expectadores ya que a uno lo pueden catalogar como un pelmazo pseudo intelectual que solo ve películas con tomas más lentas que la cuaresma simplemente por decir que hay un problema con la narrativa. Entonces, ¿esos son los dos extremos que hay sobre las adaptaciones de personajes de comic? ¿O las amas o estás mal?
Mientras que en los noventas era un sueño guajiro el poder contar con una buena película basada en súper héroes ahora estamos en un punto que amenaza con saturar la pantalla con este tipo de historias. Esta es la décima película de Marvel y como entretenimiento cumple, sin embargo el estudio es solo otra maquiladora de Disney donde si bien nos está entregando churros deliciosos rellenos de mermelada y cubiertos de chocolate, no dejan de ser churros. ¿Deberían hacer obra de mejor calidad con los mismos ingredientes? Podrían hacerlo, pero no tienen por qué, y mientras sigan generando dinero, no lo harán, sin embargo difícilmente se colarán entre lo mejor del año, a diferencia de cintas que a pesar de ser veraniegas se atreven a ofrecer un mejor trabajo tanto en el guión como en la ejecución como lo son Edge of Tomorrow, Dawn of the Planet of the Apes o la misma Snowpiercer..La misma Marvel tuvo la oportunidad de hacer algo diferente con la incorporación de Edgar Wright en la dirección de una de sus películas pero las diferencias creativas marcaron la ruta que el estudio no está dispuesta a abandonar. No pido un Punisher dirigido por Scorsese, pero sí una mejora constante en la calidad de las cintas que maquila.
A final de cuentas Guardians of the Galaxy es una muy disfrutable cinta de verano que entretiene mejor que la mayoría de los estrenos de temporada, pero eso no es muy difícil si consideramos que hay cosas como Transformers que por alguna misteriosa razón siguen generando cantidades absurdas de dinero. Ojalá que en la siguiente entrega tanto el realizador como la guionista tengan oportunidad de explotar más su talento y aporten algo que vuelva su trabajo como algo que trasciende más allá de la película dominguera. Tristemente debido al manejo de la maquiladora para la cual trabajarán, parece difícil. Pero que esto no nos evite el disfrutar esta agradable pieza de entretenimiento.
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Roman Rangel regresa y en esta ocasión revisamos el cine de otro de los grandes, el mismísimo Terry Gilliam. Hablaremos tanto de su más reciente cinta, Teorema Cero, así como de algunas de las cintas más representativas del autor.
Terminadas las transmisiones, también podrán descargar el video tanto en su versión en mp4 (470 gb) como en ogv (247 mb) o incluso como giff animado. ¡Y ahora también en su práctico mp3!
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